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Critique : Grizzly Bear – Painted Ruins

En cette période sociopolitique trouble dans laquelle les vieilles idéologies que l’on croyait mortes et enterrées refont surface, nous rappelant que l’être humain est une bébitte qui évolue à pas de tortue, il fait bon de se réfugier dans l’art, particulièrement dans la musique. Certains préfèrent évacuer leur rage et leur impuissance en prêtant l’oreille à une musique agressive. Je fais très souvent ce choix. D’autre part, j’aime aussi me calmer le pompon avec une musique plus apaisante. Bref, j’oscille entre ces deux pôles sans problème. Et Grizzly Bear fait partie de ces artistes qui élèvent mon esprit.

En 2012, après un Veckatimest (2009) salué par la critique, Ed Droste, Daniel Rossen, Chris Taylor et Christopher Bear revenaient à la charge avec le sublime Shields : l’album de la consécration pour Grizzly Bear. Après un hiatus de cinq ans, le quatuor proposait la semaine dernière son 5e album en carrière intitulé judicieusement Painted Ruins. Pendant cette longue pause, le meneur de la formation, Ed Droste, s’est impliqué dans l’arène politique américaine en militant activement contre l’élection de celui qui ne vaut plus la peine que l’on nomme son nom. Déçu par le résultat de ce suffrage, Droste a publié par la suite de nombreuses photos de voyage sur son compte Instagram; une noble façon de digérer la pilule.

Et c’est entre ces deux extrémités que flotte ce Painted Ruins. Si le propos est souvent désillusionné, quant à l’état lamentable de notre planète, la musique demeure toujours aussi tortueuse, mais vogue dorénavant vers une mer plus tranquille, comme si le groupe voulait insuffler un peu de beauté à un monde qui en a cruellement besoin. Tout en étant parfaitement lucide, Grizzly Bear cherche à détourner l’attention vers quelque chose de plus solennel.

Ça donne une création sagement prog-rock, où les influences de Radiohead sont toujours aussi présentes, où les mélodies sinueuses captent l’attention au moment opportun, où les moments « focalisés » et rassembleurs en côtoient d’autres, plus hermétiques. Du Grizzly Bear tout craché ! Sans atteindre les standards établis par les deux albums précédents, Painted Ruins est encore à la hauteur de la réputation enviable que s’est forgée le groupe.

Musicalement, c’est toujours aussi impeccable. Les mêmes ingrédients gagnants se mélangent en parfaite symbiose : une réalisation subtilement vernie, des arrangements raffinés d’un goût indiscutable et une exécution sans défaut qui ne tombe jamais dans la virtuosité inutile. Seul bémol au tableau ? Le disque ne contient pas de chansons immédiates comme Yet Again, superbe morceau paru sur Shields. Néanmoins, si vous êtes persévérants, vous serez récompensés à chacune des écoutes par cette petite mélodie passée inaperçue ou par ce magnifique « hook » de guitare arpégée… comme d’habitude.

Painted Ruins est un disque qui s’écoute du début à la fin sans interruption, mais quelques pièces, à elles seules, valent le détour : le petit penchant « électro-lounge » de Wasted Acres, l’extrait Mourning Sound, le rock « radiohead-esque » Aquarian et la toute aussi étrange qu’émouvante Glass Hillside, entre autres. Et Systole prend aux tripes par son côté vaporeux.

Même si l’évolution de l’identité sonore suggérée par la formation est quasi inexistante (certains fans pourraient même rester sur leur appétit) peu de groupes classés « indie rock » sont en mesure de concevoir une musique aussi recherchée tout en conservant un je-ne-sais-quoi de pop. Bref, impossible de se tromper avec Grizzly Bear !

Ma note: 8/10

Grizzly Bear
Painted Ruins
RCA Records
48 minutes

http://grizzly-bear.net/

Critique : Waxahatchee – Out In The Storm

Ceux qui s’intéressent au pop-rock indépendant états-unien en connaissent probablement déjà un petit bout sur la carrière de Katie Crutchfield. En 2010, l’auteure-compositrice-interprète mettait sur pied son propre projet nommé Waxahatchee qui doit être considéré comme son pseudonyme artistique. En effet, elle compose et écrit toutes les chansons, et ce, même si elle est appuyée par de compétents instrumentistes. Après un album paru en 2012 (American Weekend) – qui a passé un peu dans le beurre – la dame a fait paraître deux autres disques mieux distribués : le très Cat Power / Sharon Van Etten intitulé Cerulean Seat (2013) et le plus rock titré Ivy Tripp (2015).

Cette fois-ci, Crutchfield a fait équipe avec la même bande de musiciens qui apparaissait sur Ivy Tripp, mais a confié la réalisation de ses chansons à John Agnello, le même homme qui maniait la console sur les albums de Kurt Vile (Wakin On Pretty Daze), de Sonic Youth (Rather Ripped)… et de plusieurs autres ! Le vétéran réalisateur a rameuté Crutchfield et sa bande au Miner Street Recording Studio de Philadelphie et a tout simplement installé le groupe en studio leur a dit : « Allez-y ! Je vous écoute et je vous enregistre ! » Pas plus compliqué que ça.

Et ça s’entend. Et c’est que ça prenait pour accentuer la charge émotive des chansons de Crutchfield; un excellent choix artistique à mon humble avis. Sur Out In The Storm, on retrouve le penchant folk introspectif, qui constituait la marque de commerce de Cerulean Seat, tout en brassant la cage, manière pop-rock, comme ce qui était prescrit sur Ivy Tripp. Cette nouvelle création est une sorte de « best of » du talent qui habite Waxahatchee. L’équilibre est donc atteint entre émotions et déflagrations rock.

Dans ce genre musical, pour que ça fonctionne pleinement, ça prend de bonnes chansons et Crutchfield nous en propose une bonne pelletée, même si les structures, les progressions d’accord et les mélodies sont généralement assez convenues. Par exemple, en milieu de parcours, les mélodies de Sparks Fly et Brass Beam se confondent au point où l’on se demande si ce n’est pas la même chanson. En contrepartie, Waxahatchee nous brasse efficacement la cage avec des pièces comme Never Been Wrong et No Question. Elle nous prend aux tripes avec Recite Remorse, Hear You et la conclusive Fade.

Amateurs de pop-rock de qualité, pas de doute, il faut vous procurer Out In The Storm. Ça ne réinvente absolument rien, mais Katie Crutchfield confectionne des chansons sincères, sans artifices superflus et efficaces, qui ont le mérite de valoriser un style musical en perte de vitesse formelle : le pop-rock. Si vous aimez Best Coast, Lydia Loveless, Speedy Ortiz et les voix féminines « à la Kim Deal », vous passerez un agréable moment.

Ma note: 7/10

Waxahatchee
Out In The Storm
Merge Records
34 minutes

https://www.mergerecords.com/waxahatchee

Critique : Feist – Pleasure

10 ans ont passé depuis la parution du célébré The Reminder; disque recelant l’immense succès 1234 popularisé grâce à une publicité d’Apple. À l’époque, l’indie folk rock fédérateur était en plein climax de popularité et les refrains choraux proliféraient à un rythme effarant. En 2011, Leslie Feist, désireuse de se distancier de ce courant racoleur, lançait Metals; un superbe pavé dans la mare qui a éclaboussé les oreilles chastes et pures du mélomane à temps partiel. Metals était nettement plus cru et sombre que son prédécesseur.

Feist aime prendre son temps. C’est la preuve qu’elle est une artiste qui réfléchit et qui a envie de ne pas emprunter des sentiers maintes fois balisés. La semaine dernière, 6 bonnes années après Metals, la Canadienne était de retour avec Pleasure. Pour réaliser ce nouvel album, la dame s’est entourée de Mocky (membre du collectif Puppetmastaz et arrangeur pour Jane Birkin) ainsi que de Renaud Letang (Mathieu Boogaerts, Gonzales).

Ce nouveau Feist est un disque plus sensuel et intime que tous ses prédécesseurs. L’auteure nous fait part de ses limites émotionnelles, de sa peur du rejet, de sa crainte de vieillir, de son désir de solitude, de tendresse, etc. Bref, des préoccupations existentielles qui assaillent l’esprit de tout jeune quarantenaire qui se respecte.

Côté musique, c’est le disque qui, aux premières écoutes, semble le plus difficile d’accès. Feist ne s’aide pas en alignant, après l’excellente pièce titre, trois chansons labyrinthiques flirtant avec le folk dépouillé. C’est à partir de la sublime Any Party que ce disque prend réellement son envol; chanson qui se termine avec un refrain digne de la meilleure fin de party arrosée qui soit. Strictement au niveau de la réalisation, c’est une réussite totale.

Et c’est ce qui caractérise ce Pleasure. En plus des mélodies douces-amères habituelles de Feist, une attention particulière a été apportée à chacune des chansons afin que celles-ci aient leurs personnalités distinctes tout en demeurant cohérentes dans l’ensemble.

Pleasure est rempli de moments explosifs rock, de subtils bidouillages électroniques et de guitares assez salopées. C’est l’alternance entre les instants dits « lo-fi » et d’autres, magnifiquement réalisés (je pense au penchant soul entendu dans Young Up), qui fait de cette production une totale réussite. Pleasure est un fichu de bon disque aux vertus artistiques évidentes qui repousse intelligemment les frontières du folk rock. Ce travail de dépoussiérage redonne une certaine crédibilité à un genre devenu aujourd’hui une grosse farce commerciale (et qui sert de faire-valoir sonore à d’insipides commerciaux).

Feist se positionne donc comme une émule de PJ Harvey en format folk rock. Sans atteindre les célestes standards de l’Anglaise, elle a le mérite de s’interroger profondément sur son art. Ce genre musical se doit de sentir le bois calciné et faire mal comme une entaille profonde pour être pertinent. Avec Pleasure, Feist touche les âmes sensibles tout en ancrant sa musique dans la modernité.

En plus des pièces mentionnées précédemment, j’ai adoré l’accrocheuse A Man Is Not His Song qui se termine avec un riff de hard rock qui fait sourire. J’ai aussi succombé à l’émouvante The Wind et au petit côté blues rock d’I’m Running Away. Cela dit, Pleasure est un disque qui s’apprivoise au compte-gouttes et qui se révèle au fil des écoutes.

Pas de doute, ceux qui avaient adoré Metals continueront de suivre l’artiste avec assiduité. Ceux qui n’en avaient que pour The Reminder ne seront pas rassurés par la trajectoire créative empruntée par la Néo-Écossaise d’origine. En ce qui me concerne, c’est tant mieux. Honnêtement, Feist est une grande auteure-compositrice-interprète. Point.

Ma note: 8/10

Feist
Pleasure
Universal
53 minutes

http://www.listentofeist.com/

Critique: The Feelies – In Between

Formée en 1976, la formation états-unienne The Feelies est aujourd’hui considérée comme l’un des porte-étandards d’un certain son « indie-post-punk » machin chouette que des groupes comme Real Estate ou encore Yo La Tengo ont perpétué. Le désormais quintette avait mis fin à ses activités en 1992 après la parution de l’album Time for a Witness… et ils sont revenus à la vie en 2011 avec un nouvel album fort potable intitulé Here Before.

Le son des Feelies est une suite logique de ce que le Velvet Underground avait conçu sur leur paisible 3e album homonyme et ce qui les distinguent est sans contredit le jeu de guitare des deux meneurs : Glenn Mercer et Bill Million. Des arrangements guitaristiques qui évoquent bien sûr le travail de Lou Reed et Sterling Morrison chez le VU. Même si les Feelies n’ont absolument rien inventé, ils ont quand même popularisé (jusqu’à un certain point) un genre musical que je pourrais qualifier de « rock de nerd ».

En prêtant l’oreille aux chansons des Feelies, vous entendrez des progressions d’accords assez prévisibles et minimalistes, mais si vous portez pleinement attention aux guitares, vous entendrez une subtilité que je qualifierais d’étonnante. Sur ce nouveau disque titré In Between, paru vendredi dernier, la recette est intacte, même si le duo Mercer/Billion nous propose des instants plus dynamiques qu’à l’accoutumée. Je pense ici à une pièce comme Been Replaced qui flirte autant avec un je-ne-sais-quoi à la Dandy Warhols (Boys Better sort de ce corps !) que la pop léchée des Go-Betweens.

Mélodiquement, l’ascendant d’un Lou Reed monocorde est toujours dominant. Les mélodies sont simples, voire même enfantines, mais c’est cette sobriété musicale et cette concision des textes qui fait des Feelies un groupe encore pertinent. C’est justement l’absence de virtuosité et ce dépouillement un peu indolent qui me séduisent chez ces musiciens qui préfèrent l’authenticité au fla-fla inutile.

Mes préférés ? Le folk-pop Stay The Course, les très Velvet Flag Days et Gone, Gone, Gone, la tempérée When To Go et le petit penchant country de Make It Clear. Au fond, les Feelies, c’est le format campagnard et paisible du Velvet. Aussi simple que ça.

Après 40 ans de carrière et 6 albums studio bien éparpillés, les Feelies sont encore à la hauteur et c’est grâce au songwriting élémentaire de Mercer et Million. Si vous aimez les guitares rythmiques naïves et superbement malaxées, vous ne pouvez ignorer plus longtemps cette importante formation. Bon disque.

Ma note: 7,5/10

The Feelies
In Between
Bar None Records
43 minutes

http://www.thefeeliesweb.com/

Critique : Meat Wave – The Incessant

Au mois d’août dernier, la Brute du Rock, entre une multitude de gin-tonics et de nombreuses séances de sadomasochisme, nous jasait de l’album Delusion Moon de la formation chicagoaine Meat Wave; un excellent disque. Menée par l’intense guitariste-chanteur Chris Sutter (aucun lien de parenté avec la légendaire famille de hockeyeurs professionnels), la bande revenait récemment à la charge avec une nouvelle création intitulée The Incessant. Et qui de plus compétent que Steve Albini pour réaliser le disque d’une jeune formation punk ?

Même si aujourd’hui, l’appellation « punk » est surutilisée pour qualifier des groupes qui ne le sont pas réellement, Meat Wave mérite parfaitement la dénomination. Pourquoi ? Parce que Meat Wave interprète leurs chansons comme si leur vie en dépendait et, plus que jamais, sur The Incessant, le trio fait preuve d’une intensité qui fait peur.

Après moult tournées aux quatre coins de l’Amérique, Chris Sutter a mis fin à une longue relation qui a duré près de douze ans. S’ensuivit une période tumultueuse où l’homme a sombré dans les troubles anxieux et épisodes d’auto-destruction qui ont failli le tuer… Rien de bien jojo. Revenant difficilement à la vie, Sutter a rameuté ses potes, Joe Gac (basse) et Ryan Wizniak (batterie), et s’est attelé à la tâche afin d’écrire 12 brûlots punk. Le titre de l’album, The Incessant, est une référence directe à ces crises anxiogènes répétitives et constamment anticipées par celui ou celle qui les vivent.

Si sur Delusion Moon on percevait le talent mélodique de Sutter, sur The Incessant, on est happé par les mélodies inspirées du bonhomme. Musicalement, la pédale est dans le fond, les chansons sont mieux fignolées et la réalisation rêche d’Albini confère à l’ensemble de l’œuvre une authentique violence, une parfaite intensité. Sutter nous garroche littéralement toute son anxiété, sa rage et son nihilisme avec une véracité qui trouble. Bizarrement, j’ai tout de suite pensé à la fureur vitriolique de… Fiona Apple ! On retrouve la même honnêteté que la dame, mais avec un son magnifiquement décapant.

Le jeu de guitare de Sutter est inventif et la section rythmique n’a qu’à suivre le leader dans ses méandres psychologiques. On pense immédiatement à des vétérans comme Drive Like Jehu, Trail Of Dead, Hot Snakes et Fugazi, mais avec un je-ne-sais-quoi de mélodiquement accrocheur qui donne envie d’y revenir. C’est brut, direct, sans compromis musicalement et littérairement parlant. Parmi mes coups cœurs : la très Hot Snakes titrée To Be Swayed, le frémissant refrain dans Tomosaki, la plus posée The Light, la sublime pièce-titre ainsi que la conclusive Killing The Incessant.

Honnêtement, Meat Wave redore le blason un peu flétri du punk mélodique et juste pour cette raison, je vous exhorte dès maintenant à prêter l’oreille à The Incessant. Un dangereux « grower » qui assaillera autant vos oreilles que vos tripes.

Ma note: 8,5/10

Meat Wave
The Incessant
Side One Dummy Records
36 minutes

https://meatwavechicago.bandcamp.com/