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Critique : Circuit Des Yeux – Reaching for Indigo

Haley Fohr, alias Circuit des Yeux, vient de passer par quelques années qui l’ont vu se transformer de bord en bord, et le processus a été fascinant à observer et à écouter. Après des débuts, seule avec sa guitare à 12 cordes et ses pédales d’effets, l’artiste de l’Indiana s’est établie à Chicago et s’est peu à peu entourée d’autres musiciens, notamment des membres du groupe Bitchin’ Bajas, pour sortir de son isolement artistique.

L’album In Plain Speech en 2015 a été un genre de révélation, pour les auditeurs, mais aussi pour Fohr elle-même; on l’entendait carrément se métamorphoser au fil de l’album. Comme si elle avait découvert une façon d’étendre ses expérimentations vers les autres, d’établir une connexion, de perdre un peu le contrôle de ses propres compositions, et du coup bâtir de gargantuesques pièces de folk expérimental.

Reaching for Indigo est donc le premier album de Circuit des Yeux depuis que Fohr a trouvé cette assurance et cette pleine possession de ses moyens. Il y a eu un court album sous le pseudonyme de Jamie Lynn en 2016, qui était à la fois modeste et ambitieux : composé et enregistré en vitesse, mais dans le but avoué d’en faire une curiosité de parcours dont on parlerait plus tard dans sa carrière. Une fois cette distraction passée, Fohr a préparé Reaching for Indigo d’une façon beaucoup plus sérieuse, pour en faire un moment marquant de l’œuvre de Circuit des Yeux. Mission accomplie.

La voix d’alto de Fohr, déjà frappante sur les albums précédents, passe par toutes sortes de dynamiques et d’intensité sur cette nouvelle offrande. Cette voix est le cœur de ce qui est présenté ici, et tout ce qui accompagne cette voix semble lui obéir au doigt et à l’œil. L’instrumentation lui colle et l’agrémente obséquieusement, puis s’emballe quand la voix la mène naturellement à s’emballer.

L’ordre des pièces est peu orthodoxe, avec des morceaux longs et grandioses dans les 20 premières minutes et d’autres, plus courts et superficiels, regroupés en fin d’album. Mais l’intensité qui est bâtie raconte une histoire, brosse un portrait d’un esprit musical singulier. L’exemple le plus dense de la diversité musicale et dynamique de l’album est la pièce Paper Bag, combinant d’abord un synthé en mode « arpeggiator » à des échantillons de la voix de Fohr, puis passant soudainement à un riff folk en triolets bien rythmés, et des mélodies vocales couvrant plus de terrain que Fohr n’en a jamais couvert.

On sent une grande douleur dans l’œuvre de Fohr, un profond inconfort avec les codes sociaux et la confusion qu’ils peuvent créer en elle, mais ce qu’on sent plus que tout sur Reaching for Indigo, c’est l’euphorie d’avoir trouvé une façon bien à elle d’exprimer cette douleur, d’avoir créé un petit univers où elle règne comme une reine.

Ma note: 8/10

Circuit des Yeux
Reaching for Indigo
Drag City
35 minutes

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Critique : Bill MacKay + Ryley Walker – SpiderBeetleBee

Ryley Walker est un auteur-compositeur fort respecté dans le milieu du folk états-unien… et je ne fais pas référence à cette musique aseptisée et publicitaire « à la Lumineers ou X Ambassadors » que l’on entend dans les radios commerciales. Walker s’inspire plutôt de musiciens britanniques qui ont connu leur heure de gloire au cours des années 70; Nick Drake et Bert Jansch en tête de liste. S’il y a deux disques de Walker à vous procurer, c’est bien le sublime Primrose Green – album qui allie le folk au jazz – et le plus conventionnel, mais tout aussi grisant, Golden Sings That Have Been Sung.

Bill MacKay, lui, est un guitariste expérimental et un maître improvisateur tenu en haute estime par ses pairs, entre autres par Walker lui-même. Les deux virtuoses ont déjà collaboré en proposant en 2015 l’album Land Of Plenty; un enregistrement en concert durant lequel les deux instrumentistes s’aventurent dans une sorte de folk psychédélique – et instrumental – un brin crasseux.

La semaine dernière, la conversation sonore reprenait de plus belle entre les deux prodiges grâce à la parution de SpiderBeetleBee. Sur cette création, toujours instrumentale, Walker endosse le rôle du « fingerpicking man » pendant que MacKay joue du Requinto, un instrument à cordes comparable à la guitare et employé régulièrement dans les cultures argentines, colombiennes et mexicaines, pour ne nommer que celles-ci.

Si sur le précédent effort, le psychédélisme prédominait, cette fois-ci, les styles arpentés sont plus nombreux et éclectiques. Le blues côtoie la musique baroque et latine, recelant quelques fragments sonores que je pourrais cataloguer de « bruitistes ». Évidemment, on est ici dans un univers assez contemplatif. Les friands d’hyperactivité musicale pourraient ainsi s’emmerder à l’écoute de ce disque. C’est sans compter sur cette petite dose de mysticisme, un peu médiéval, un peu « new age », qui caractérise souvent ce genre de production.

Au-delà de ces considérations ésotériques, SpiderBeetleBee est captivant, car il met de l’avant le jeu fluide et complexe de deux musiciens qui s’entendent à merveille. La camaraderie est tellement sincère que l’on vient à oublier le fait qu’ils sont seulement deux pour produire une si belle et consistante musique.

Parmi les pièces qui valent le détour, j’ai noté l’étonnante Naturita où les harmoniques en première partie préparent magnifiquement le terrain pour une conclusion dissonante des plus jubilatoires. Dans un registre convoitant le blues, j’ai bien aimé Lonesome Traveler ainsi que la plongée en territoire sud-américain, I Heard Them Singing. L’utilisation du violon dans Pretty Woods Revisited et du violoncelle dans la conclusive Dragonfly remémore de manière subtile l’approche orchestrale de Nick Drake.

Ne serait-ce pour déconstruire le préjugé persistant que subit depuis quelques années la musique folk – de la pop de « hipster » barbu destinée aux festivals grand public – ce SpiderBeetleBee en vaut la peine. Pour ceux qui aiment leur folk raffiné et « technique », je vous conseille fortement ce disque.

Ma note: 7,5/10

Bill MacKay + Ryley Walker
SpiderBeetleBee
Drag City
31minutes

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Pitchfork Music Festival : une fin de semaine magique

Une toute nouvelle édition du Pitchfork Music Festival débutait vendredi dernier. Si vous saviez à quel point j’étais excitée de couvrir cet événement organisé par les gens derrière le célèbre blog américain de critique musicale!

Vendredi Jour 1

Je commence ma journée avec la formation de Washington, Priests, qui était de passage à la Scène Verte dès 13 h 45. Après avoir englouti une couple de frites (on se gâte en voyage), je me dirige vers la foule. Le groupe a commencé sa performance avec de multiples titres engagés et personnels qui se sont avérés excellents pour la foule du Pitchfork. La voix rocailleuse de la meneuse de jeu Katie Alice Greer a su donner le ton au concert. En plus de dynamiser l’espace, la bande s’est démontrée drôlement efficace. On note aussi le maquillage et le costume de la chanteuse. Ombre à paupières bleue avec une chevelure blonde dorée. En plus d’une redingote longue et fleurie, elle arborait une robe jaune. En tout cas, mon début de vendredi commence ben flyé! On aime ça.

Pitchfork Music Festival

On continue cette aventure avec Hiss Golden Messenger. Le folk rock du groupe nous garde en haleine du début jusqu’à la fin. On aurait juré, voir la foule danser sur des airs de Achy Breaky Heart. En tout cas, sous le soleil américain, on peut l’affirmer, c’est quand même très cool de se déhancher sur du country tout relax.

On poursuit avec l’énorme coup de la journée. Le prince Vince Staples qui était de passage sur la Scène Verte au coup des 16:00. Sous des effets de fumées, le rappeur californien se montre le bout du nez pour interpréter Party people. Son public se met à sauter. Il enchaîne avec BagBak et Ascension (reprise de Gorillaz). L’énergie est tout simplement électrisante. Vince Staples possède une présence magnétique sur scène. Il ne s’arrête jamais, il est là pour faire le show. Honnêtement, on ne peut qu’être conquis. Mettez les titres de son nouvel album The Big Fish Theory : Yeah Right et 745, rajoutez quelques images de projection oranges puissantes et vous avez un fichu de bon spectacle. Ma-la-de.

Pitchfork Music Festival

À 17 h 15, je me dirige vers la Scène Bleue. Un mot pour décrire mon passage : aventureux. Il y avait foule foule foule foule pour voir la pop indie dodelinante de Frankie Cosmos. Plutôt chouette à voir en performance, le groupe nous présente quelques chansons de son dernier album paru en 2016, Next Thing. Très bien rodée, la performance s’est avérée sans anicroche. On aime bien le charisme sur scène de la meneuse de jeu Greta Kline. Sympathique, elle nous a bien accueillis dans la zone bleutée du festival comme si tout le monde était invité à jammer dans un party de sous-sol. Bien cool, tout ça.

Au tour de Danny Brown de monter sur la Scène Verte vers 18:00. Après l’énorme succès de son disque Atrocity Exhibition, il était évident de le retrouver au Pitchfork. Ramenant un bon nombre d’admirateurs, le rappeur originaire de Détroit, nous convie dans son univers très engagé où il utilise la scène comme un véritable terrain de jeu. D’un bout à l’autre, l’artiste se promène sans trop ne jamais s’arrêter. Après les Kool Aid, 25 Bucks et When it Rain, Brown ne se laisse pas faire. Il fait défiler les mots à la puissance de l’éclair. Tout est rapide. Tout est excellent. Grosse figure de hip-hop à (re) découvrir dès maintenant. Hey, ça rime. Deviendrai-je une rappeuse?

On termine cette première journée avec LCD Soundsystem vers 20 h 10. La soirée se fait un peu plus frisquette. On s’en fout, je ne suis pas fait en chocolat. Je le mange moi le chocolat. Voilà. Alors, pour en revenir à LCD, j’oriente mes flûtes pour aller vers la Scène Verte. J’ai passé une soirée magique. Toujours en très grande forme, LCD défend les Yr City’s a Sucker, I Can Change, Daft Punk is playing at my house, Dance Yrself Clean… pour faire danser la foule. On a eu droit à des sons sulfureux, des projections groovys où l’on pouvait même voir la ville de New York en arrière-plan (sur New York I Love You, But You’re Bringing Me Down). Gigantesque soirée pour lâcher son fou.

Pitchfork Music Festival

Jour 2

Samedi, je suis allée voir la formation Weyes Blood sur la Scène Verte vers 2:30. Le groupe menée par la talentueuse Natalie Mering. Le spectacle était d’une excellente sonorisation qui rendait gloire à l’album Front Row Seat to Earth. Avec un synthétiseur, des claviers, une guitare et une batterie, la disposition scénique était intéressante. Mering nous proposait un set assez floral qui regroupait les 7 words, Generation Why, Used to Be et Diary. J’étais bien satisfaite du rendu musical, règle générale. La musique de Weyes Blood m’a fait balancer la tête tranquillement sous la brise Chicagoise.

Par la suite, je me rends à 2 h 45 vers la Scène Bleu pour rejoindre la bande de Cherry Glazerr, originaire de Los Angeles. Belle découverte en ce qui me concerne! Le trio qui œuvre principalement dans le gros rock fuzzé a su conquérir mes oreilles. On aime aussi la capacité vocale de la chanteuse. Elle était capable d’utiliser divers niveaux de voix en restant dans des tonalités très graves. Ça frôlait presque le métal. Fou raide!

Après, je me rends vers la performance du groupe mythique George Clinton and Parliament Funkadelic. Supra-festif. Avec des sections de cuivres, des choristes et même des danseurs, la musique de Clinton est toujours d’actualité. La foule prenait plaisir à danser et avec raison. Il fallait absolument que je voie ce groupe légendaire. Je n’ai pas été déçue.

L’aventure se poursuit avec Angel Olsen vers les six heures. Devant un soleil couchant, l’artiste a dévoilé les titres de son plus récent album My Woman. Shut Up and Kiss Me, Sister, Never Be Mine passent. La voix écorchée d’Olsen se fait entendre sur scène. Elle est venue me chercher, directement. Étant une grande fan de la chanteuse, j’étais très contente de la voir pour une première fois ici, à Chicago. Frissons après frissons, on écoute et on se laisse guider par ses riffs de guitare et sa présence scénique. Un moment bien charmant.

Pitchfork Music Festival / Alexa Viscius

Les gars de S U R V I V E embarquent sur la Scène Bleue. Équipée d’une couple de synthétiseurs et de bidules électroniques, la formation nous a présenté quelques-unes de leurs chansons, dont certaines parvenaient directement de la bande sonore de la série Stranger Things. Super performance qui nous a ramenés instantanément dans les années 80. En spectacle, l’ambiance était très bonne. Sous des éclairages verdâtres étincelants, le DJ set était bien structuré. Chouette.

Le hip-hop du légendaire groupe A Tribe Called Quest clôt cette deuxième journée sous les étoiles. Énorme fiesta qui a rassemblé une multitude d’admirateurs venus spécialement entendre les chansons du groupe. On a retrouvé The Space Program, Oh my God et même une reprise de Busta Rhymes Who! Ah! Got you all in check, par,exemple. Ça swinguait fort, samedi soir.

Jour 3

On commence cette troisième journée du Pitchfork avec l’Américain (basé à Montréal) Colin Stetson. Armé de trois saxophones, le musicien en a soufflé plus d’un dans la foule. D’une certaine façon, ces instruments se sont mélangés avec le corps de Stetson. On aurait cru voir une (belle) créature qui nous a interprété les chansons de son plus récent disque All This I Do For Glory. Doté d’une forte concentration et d’une incroyable respiration, Colin Stetson a été impressionnant dans la manipulation de son objet de prédilection. Noté surtout sur les pièces Judges et Beetween Water and Wind. Le concert de l’artiste a été un moment unique dans ma journée.

Peu après, on croise la saveur locale NE-HI pour une ribambelle de chansons rock garage issues de leur nouvelle galette Offers. On suit les mouvements dansés du chanteur à la coupe de cheveux bien en vogue. Les guitares se déchaînent, les pieds de micro partent dans les airs. La musique de NE-HI ne fait que prolonger l’été en arborant nos plus beaux coats de jeans. Rock and roll!

Par la suite, on rencontre la soul de Jamila Woods sur la Scène Verte. Après avoir sorti le très ensoleillé HEAVN, il y a de ça un an, l’artiste nous chantait plusieurs titres optimistes empreints d’une profonde solidarité. Heureuse d’être parmi nous, Woods est clairement une vocaliste talentueuse qui prend plaisir à jouer avec les mots.

Au tour de Nicolas Jaar de prendre place à la Scène Rouge. Je vous dirais que le spectacle a vraiment décollé vers le mi-chemin avec des mélodies teintées de house, de techno et de dubstep. En plus de rallier un bon nombre de personnes à danser, Jaar était inarrêtable derrière ses ordinateurs. Très pétillant.

C’est Solange Knowles (la sœur de l’autre) qui ferme la marche à la Scène Verte. Défendant les titres de son disque pop A Seat At The Table, la chanteuse possède de grands talents de « showgirl ». Derrière un décor coloré, Solange était accompagnée d’un groupe et de quelques choristes qui suivaient des mouvements chorégraphiés. Tout se suivait à la lettre, de manière très artistique. Il y aurait de quoi analyser niveau art contemporain et symbolisme, je vous dirais. Ce fut tellement magnifique de constater l’ensemble au clair de lune. Le concert prenait tout son sens. Envoûtant.

Le Festival tire à sa fin. Merci, Pitchfork, pour la fabuleuse expérience. Merci, Pitchfork, pour le support d’une culture musicale indépendante originale et de qualité. Merci pour les découvertes. Merci, Pitchfork, de rassembler tous mélomanes avides de nouveautés. Merci, Pitchfork, d’être ce que tu es… une référence extrêmement importante pour chacun d’entre nous.

À l’an prochain!

http://pitchfork.com/festival/chicago/

Pitchfork Music Festival : 10 artistes qui nous allument

J’ai l’honneur d’aller représenter Le Canal Auditif à Chicago pour le prestigieux Pitchfork Music Festival qui se tiendra du 14 au 16 juillet prochain dans le grand Union Park. La programmation a dévoilé une belle brochette de musiciens. Notons les têtes d’affiche Solange, A Tribe Called Quest et LCD Soundsystem qui seront, sans aucun doute, des spectacles à ne pas manquer.

Pour l’occasion, je vous ai concocté une sélection d’artistes à (re)découvrir dans le cadre du festival. C’est parti!

Angel Olsen

Un des incontournables du festival. L’auteure-compositrice-interprète, originaire du Missouri, m’avait conquit les oreilles avec son deuxième album Burn Your Fire For No Witness, paru en 2014. Un disque folk/rock grungy convaincant et assez réussi. Depuis, en 2016, la consécration s’est poursuivie avec My Woman, album qui regroupait des chansons rock empreintes d’une profonde nostalgie. Samedi à 18h15 sur la Scène Verte, elle y sera. Moi aussi. Oreilles comprises.


 

NE-HI

Les rockeurs de NE-HI, originaires de Chicago, nous avait offert Offers en février dernier. Une galette aux sonorités garages, brutes et nerveuses. Les Américains donneront sûrement tout en performance. Ils ont cette énergie musicale qui ne peut que durer. En concert dimanche à 14h30 à la Scène Verte.


 

Vagabon

Une de mes plus belles découvertes musicales que j’ai fais cette année. Laetitia Tamko, qui est derrière le nom de Vagabon, a suscité l’attention de plusieurs avec son Infinite Worlds, sorti l’hiver dernier. La jeune brooklynoise, originaire du Cameroun, oeuvre dans un rock crû, tantôt shoegaze, tantôt garage. Rajoutez quelques éléments pop et le tour est joué. L’ascension est là. Le nom de Vagabon sera bientôt sur toutes les lèvres. Êtes-vous prêts? En concert à 13h00, samedi à la Scène Verte.


 

Colin Stetson

C’était clair. Il ne fallait pas passer à côté de l’Américain, dorénavant basé maintenant à Montréal, Colin Stetson. Après la sortie de l’excellent All this I Do For Glory, chose certaine, le petit prodige du saxophone en fera vibrer plus d’un avec son instrument de prédilection. En spectacle à 13h45, dimanche, sur la Scène Rouge.


 

Weyes Blood

Natalie Mering, ayant le pseudonyme Weyes Blood, montera sur les planches du Pitchfork pour nous présenter ses superbes mélodies pop/rock de son troisième long-jeu Front Row Seat to Earth. Parions qu’en pleine nature, la performance sera magnifique. En prestation à 14h30, samedi, sur la Scène Verte.


 

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Critique : Meat Wave – The Incessant

Au mois d’août dernier, la Brute du Rock, entre une multitude de gin-tonics et de nombreuses séances de sadomasochisme, nous jasait de l’album Delusion Moon de la formation chicagoaine Meat Wave; un excellent disque. Menée par l’intense guitariste-chanteur Chris Sutter (aucun lien de parenté avec la légendaire famille de hockeyeurs professionnels), la bande revenait récemment à la charge avec une nouvelle création intitulée The Incessant. Et qui de plus compétent que Steve Albini pour réaliser le disque d’une jeune formation punk ?

Même si aujourd’hui, l’appellation « punk » est surutilisée pour qualifier des groupes qui ne le sont pas réellement, Meat Wave mérite parfaitement la dénomination. Pourquoi ? Parce que Meat Wave interprète leurs chansons comme si leur vie en dépendait et, plus que jamais, sur The Incessant, le trio fait preuve d’une intensité qui fait peur.

Après moult tournées aux quatre coins de l’Amérique, Chris Sutter a mis fin à une longue relation qui a duré près de douze ans. S’ensuivit une période tumultueuse où l’homme a sombré dans les troubles anxieux et épisodes d’auto-destruction qui ont failli le tuer… Rien de bien jojo. Revenant difficilement à la vie, Sutter a rameuté ses potes, Joe Gac (basse) et Ryan Wizniak (batterie), et s’est attelé à la tâche afin d’écrire 12 brûlots punk. Le titre de l’album, The Incessant, est une référence directe à ces crises anxiogènes répétitives et constamment anticipées par celui ou celle qui les vivent.

Si sur Delusion Moon on percevait le talent mélodique de Sutter, sur The Incessant, on est happé par les mélodies inspirées du bonhomme. Musicalement, la pédale est dans le fond, les chansons sont mieux fignolées et la réalisation rêche d’Albini confère à l’ensemble de l’œuvre une authentique violence, une parfaite intensité. Sutter nous garroche littéralement toute son anxiété, sa rage et son nihilisme avec une véracité qui trouble. Bizarrement, j’ai tout de suite pensé à la fureur vitriolique de… Fiona Apple ! On retrouve la même honnêteté que la dame, mais avec un son magnifiquement décapant.

Le jeu de guitare de Sutter est inventif et la section rythmique n’a qu’à suivre le leader dans ses méandres psychologiques. On pense immédiatement à des vétérans comme Drive Like Jehu, Trail Of Dead, Hot Snakes et Fugazi, mais avec un je-ne-sais-quoi de mélodiquement accrocheur qui donne envie d’y revenir. C’est brut, direct, sans compromis musicalement et littérairement parlant. Parmi mes coups cœurs : la très Hot Snakes titrée To Be Swayed, le frémissant refrain dans Tomosaki, la plus posée The Light, la sublime pièce-titre ainsi que la conclusive Killing The Incessant.

Honnêtement, Meat Wave redore le blason un peu flétri du punk mélodique et juste pour cette raison, je vous exhorte dès maintenant à prêter l’oreille à The Incessant. Un dangereux « grower » qui assaillera autant vos oreilles que vos tripes.

Ma note: 8,5/10

Meat Wave
The Incessant
Side One Dummy Records
36 minutes

https://meatwavechicago.bandcamp.com/