Électronique Archives - Le Canal Auditif

Critique : Ouri – Superficial

La DJ Ouri lance son premier album intitulé Superficial. Celle qui collabore régulièrement avec CRi est l’une des rares productrices de musique électronique. Ce milieu dominé par les hommes encore aujourd’hui commence à faire une place aux jeunes femmes qui ont une approche différente. La Montréalaise le démontre avec panache sur ce premier opus.

Contrairement à son titre, Superficial ne fait pas qu’effleurer la surface. Ouri nous livre 8 pièces qui suintent la sensualité, particulièrement lorsqu’Odile Myrtil se met de la partie et prête sa voix. Left Me est une ode qui évoque les coins sombres, illuminés de rouge où les corps se frôlent, lorsque les lèvres se rapprochent graduellement avant connecter dans un moment de suprême lascivité. C’est un sentiment qui est omniprésent sur Superficial.

Ouri nous livre tout de même des pièces un peu plus agressives, qui rappellent celle de son EP Maze paru en mai 2015. En tête de file, on retrouve la rythmée Jungle qui donnent envie de prendre le plancher de danse d’assaut avec sa trame qui gagne en puissance au fur et à mesure que les secondes s’égrènent. Un sentiment qui se transporte dans la suivante, Distracted When You’re Dancing qui joue sur une grande présence de claviers, et un habillage moins obscur que dans les autres pièces. Cette fois, les sons transpirent la lumière et l’énergie.

En fait, ce sentiment soudain de lumière et d’entrain se perpétue pendant quelques chansons pour nous mener à Iddun qui fait un peu le pont entre les compositions lascives et les pièces plus dansantes de Superficial. C’est un des traits plaisants du travail d’Ouri. La jeune femme nous fait vivre un voyage à travers ses compositions qui nous plongent tour à tour dans différents univers et inspire différents sentiments. Il y a de petits défauts, parfois des momentums qui se perdent par le changement de direction d’une pièce, mais ça reste quelques petits moments qu’on oublie rapidement.

Tout ça pour dire que Superficial d’Ouri est très bien réussi. La jeune compositrice démontre son savoir-faire pour la première fois et ça se tient bien d’un bout à l’autre de la galette. On est bien content d’avoir enfin un premier album complet de celle-ci à se mettre sous la dent. Les amateurs de musique électronique sensuelle et d’IDM trouveront chez Ouri une nouvelle voix rafraîchissante.

Ma note: 7,5/10

Ouri
Superficial
Make It Rain Records
36 minutes

https://www.facebook.com/ourimusic/

Critique : Blanck Mass – World Eater

Blanck Mass est le projet solo du compositeur britannique Benjamin John Power, connu également comme étant membre, avec Andrew Hung, de l’excellent projet Fuck Buttons. Son album homonyme, sorti en 2011, conservait une part de développement lent, typique de la musique drone et du post-rock, mais cette fois-ci, avec de longs accords de claviers réverbérés. C’est à partir de Dumb Flesh (2015) qu’il se passe quelque chose d’ésotérique, comme une entité qui vient hanter les oreilles et les charmer pendant toute la durée de l’album. Difficile à ne pas écouter au complet, l’album proposait une sorte de techno industriel maximaliste dont les rythmes se développaient à travers une palette de contretemps, ponctuant merveilleusement bien les lignes mélodiques. Power nous est revenu en mars dernier avec World Eater, un troisième album mixé pour les amplificateurs qui se rendent jusqu’à 11, et les clubs marginaux qui auront survécu à l’effondrement de la société occidentale.

John Doe’s Carnival of Error ouvre sur un échantillon joué en boucle, comme un début de pièce hip-hop, mais ce sont plutôt les sonorités électroniques qui se développent jusqu’à l’arrivée du rythme; l’anticipation monte d’un cran et la main droite, hypnotisée, monte le volume de l’ampli. La base techno industrielle de Rhesus Negative donne suite violemment, la guitare distorsionnée transperce la masse très dense le temps d’une longue réverbération et laisse la place à un passage rythmique percussif. Le carillon vient ajouter une touche de cauchemar éveillé, et la voix trafiquée criant « wake up! » complète l’intention de façon colérique. Please marque une pause, aux sonorités synth-wave et aux séquences manipulées en boucle. La progression nous mène à une atmosphère lounge durant laquelle le montage des échantillons de voix forme une jolie ligne mélodique aux intonations orientales.

The Rat repart sur une rythmique percussive, façon rock de stade. Elle fait étrangement penser à du futurepop fin 90s, comme une pièce instrumentale de VNV Nation qui plafonne. On passe. Silent Treatment commence et j’ai justement Joy qui me passe par la tête. Power se démarque par la suite de ma référence douteuse avec une masse sonore dense, qui donne rapidement la place à une combinaison de house et de IDM. Minnesota/ Eas Fors / Naked se développe lentement comme une longue trame noise aux variations subtiles, sans surprises, jusqu’à la finale qui propose un extrait de balade hard rock des années 80; étrange. Hive Mind conclut sur une rythmique hip-hop, en support aux échantillons de voix manipulés mélodiquement par la suite.

Le début de World Eater saute comme une bombe et donne des frissons tellement la densité et l’intensité sont bien ajustées. Par contre, ça se dégonfle un peu à mi-chemin, on perd de vue ce qui était parti pour être la ligne directrice de l’album; une espèce de dans-ta-face sonore. Heureusement, l’album gagne en contrastes stylistiques, passant du techno industriel agressif au synth-wave délicat, et cette qualité mérite certainement plusieurs écoutes.

Ma note: 7,5/10

Blanck Mass
World Eater
Sacred Bones
49 minutes

http://blanckmass.co.uk

Critique : Evan Caminiti – Toxic City Music

Evan Caminiti est un compositeur new-yorkais actif depuis une dizaine d’années sur la scène drone noise internationale. Ses quatre premiers albums étaient constitués principalement de performances à la guitare, trafiquées par une série d’effets et de traitements. C’est à partir de Meridian (2015) que la matière synthétique allait prendre le dessus et proposer une palette sonore plus claire, nettoyée d’une partie du bruit blanc qui venait naturellement avec le genre. Caminiti est revenu en mars dernier pour présenter son sixième album, Toxic City Music, et a ramené la guitare dans le procédé compositionnel en la mélangeant avec des échantillons d’enregistrements de rue captés dans les entrailles de New York. Ça donne un mélange de noise atmosphérique et d’électro concret qui grésille et gronde. Selon la profondeur où vous en êtes rendu dans votre exploration urbaine.

Acid Shadow I est la première de trois parties dans laquelle les échantillons réverbèrent lourdement, comme emprisonnés dans un conduit d’aération. Irradiation Halo développe subtilement une mélodie à travers des strates de sons saturés, orchestrés par un panneau électrique rouillé. Joaquin nous fait ramper comme un reptile au sol, les griffes réverbérées sur les poutres en béton.

Possession commence abruptement pour revenir à une atmosphère plus calme d’exploration de tunnel souterrain, effritée parfois par des interférences radiophoniques. NYC Ego conserve une part de bruit et nous fait « chiller » dans son lounge souterrain, verre de martini à la main. Toxic Tape (Love Canal) nous amène plutôt sous l’eau, avec ses mouvements ondulés plus près des harmoniques étouffées que de la distorsion. Acid Shadow II semble s’être enfoncée davantage dans le système de ventilation et s’évanouit parmi les bruits de pattes d’insectes.

La pulsation légèrement rythmique de Toxicity rappelle le train qui passe sur une jonction de rail, répétée en écho dans le réseau de tunnels. On retrouve la sonorité pré-Meridian sur French Cocoon (Mutagen), dont l’accord de guitare électrique sert de noyau à la forme drone post-toute. Acid Shadow III ouvre sur un très long glissando qui fait place à plusieurs échantillons modulés selon la présence et la densité de chacun, et conclue dans le ventre de la fournaise.

Caminiti combine merveilleusement bien les deux genres rassemblés sur Toxic City Music; du noise drone qui oscille comme une composante saturée et de l’électro concret tout près de la matière et de ses bruits parfois aléatoires. C’est un album qui est résolument plus sale que Meridian, et bien qu’il soit aussi précis dans son montage, les différentes formes de bruit blanc laissent moins d’espace aux silences; la respiration est plus lourde, comme asphyxiée par un centre-ville pollué.

Ma note: 7/10

Evan Caminiti
Toxic City Music
Dust Editions
36 minutes

https://dust-editions.bandcamp.com/album/toxic-city-music

Critique : Sufjan Stevens – Carrie & Lowell live

L’album Carrie & Lowell de Sufjan Stevens était d’une beauté à se déchirer le cœur. Un album qui parle de sa mère, de sa mort et de l’immense vide laissé derrière lui par le deuil. Pour célébrer l’album, Sufjan Stevens a fait une des tournées la plus complète et à grand déploiement de sa carrière. Certains chanceux (dont je fais partie) ont pu le voir lors de cette occasion, nous livrer un spectacle puissant, émouvant et magnifique. L’album live nous replonge dans ces représentations alors que la bande à Stevens a enregistré un concert en Caroline du Sud.

Il est à se demander comment vont se traduire les pièces intimes de Carrie & Lowell sur scène. Eh bien, Stevens n’y est pas allé de main morte. Tout en conservant la beauté inhérente et la fragilité qu’on retrouve à l’intérieur de chacune d’elle, il a aussi augmenté certains passages musicaux pour aller plus loin dans l’instrumentation. Un des bons exemples est le décollage électronique qui s’opère dans Should Have Known Better et qui nous transporte alors que Stevens chante :

«Don’t back down, concentrate on seeing
The breakers in the bar, the neighbor’s greeting
My brother had a daughter
The beauty that she brings, illumination »
– Should Have Know Better

On peut en dire tout autant de la fin électronique et puissante de Fourth of July qui prend une tournure intense alors que Stevens nous crie presque : « We’re all gonna die! » Un marasme bruyant prend le dessus avant que le son coupe tout simplement et laisse place au silence. No Shade in the Shadow of the Cross est un autre moment magnifique où Stevens ouvre la porte sur sa fragilité intérieure. Avec sa voix émouvante, il nous susurre presque les mots pendant qu’une simple guitare l’accompagne. Et comme sur l’album, il termine le spectacle avec Blue Bucket of Gold qui obtient une conclusion de presque treize minutes.

En plus de nous interpréter chacune des pièces de Carrie & Lowell, Stevens offre aussi des versions très réussies de Vesuvius et Futile Devices tirées de l’excellent The Age of Adz. La première possède toute la force de la pièce originale avec des moments de claviers qui semblent venir de l’espace et une partie percussive complexe. Le tout pour entourer les chants choraux passionnés qui deviennent mantra. La deuxième est tout le contraire, plongeant dans la fragilité et l’intimité. C’est beau et enveloppant. Une troisième pièce se glisse sur l’album live. Une reprise de Hotline Bling de Drake sur laquelle Gallant vient faire un tour de chant.

C’est un album live réussi pour Sufjan Stevens qui a trouvé une façon de transformer des pièces intimes et touchantes en un party. Si l’album pleure l’absence des morts, la version live célèbre le fait d’être en vie!

Ma note: 7,5/10

Sufjan Stevens
Carrie & Lowell Live
Asthmatic Kitty
89 minutes

http://sufjan.com/

Critique : Nite Jewel – Real High

Quelque temps après les sorties de Liquid Cool et Nite-Funk, Nite Jewel, appelée Ramona Gonzalez, nous propose un nouveau disque qui s’intitule Real High, paru via l’étiquette Gloriette Records. D’ailleurs, on retrouvera des contributions de Julia Holter, Dâm-Funk (avec qui elle a collaboré sur l’EP Nite Funk) et Droop-E. Règle générale, le disque est plutôt bien fait et donne le goût de sillonner les rues pendant ces nuits chaudes d’été. Suffit le froid, on est d’accord là-dessus.

On lance le bal avec In The Nite. Chanson qui fait claquer des doigts instantanément. Pourquoi? En raison de ces petites sonorités électro-pop pétillantes qui vont faire lever la chanson assez rapidement. Toujours dans la catégorie 7up, on apprécie 2 Good 2 Be True, autre titre ensoleillé qui te fera faire quelques grouillades. Pas besoin de téquila ici. On s’entend, vous danserez dès les premières notes. Jewel possède cette manière de construire et de déconstruire des ambiances musicales dynamiques et énergiques. Les lignes de basse sont poussées très loin, les arrangements vocaux sont aériens et c’est très plaisant à entendre. De plus, les percussions sont sous la direction de Rene W. Solomon, une pièce incontournable de l’album. Ça se poursuit avec The Answer qui peut faire lever n’importe quelle fête que tu auras à ton agenda cette semaine. Sans oublier When I Decide (It’s Alright) avec la voix de Julia Holter en choriste. La chimie s’opère très bien entre les deux artistes. Ensuite, on plonge dans un son un peu plus soul avec la piste-titre Real High. Tout est plus lent et lancinant. C’est magnifique.

Cependant, ce qui achale un peu avec Real High est que la proposition reste linéaire. Ça manque un peu d’audace et de variété, je vous dirais. On a cette impression que les arrangements électroniques reviennent souvent aux mêmes endroits dans les chansons… Je vais être franche avec vous, le contenu en soi demeure bien sage en rétrospective. On aurait aimé plus de pépites gazéifiées! Dommage!

Quoi qu’il en soit, Real High de Nite Jewel manque peut-être un peu de peaufinage, mais reste un petit plaisir efficace en électro-pop à se procurer pour les amoureux du genre. À écouter près de la piscine ou sur la route en plein soleil estivale.

Ma note: 6,5/10

Nite Jewel
Real High
39 minutes
Gloriette Records

http://www.nitejewel.com/