Hip Hop / Rap Archives - Le Canal Auditif

Critique : Tyler, The Creator – Scum Fuck Flower Boy

Tyler, The Creator a toujours été un personnage un peu controversé sur la scène rap américaine. Tout d’abord parce qu’il adore utiliser la vulgarité pour choquer son public. Cela lui a valu des accusations absurdes d’homophobie (alors que son meilleur ami est Frank Ocean) et d’être misogyne. Mais à trop jouer avec le feu, on finit par se brûler. Ses deux précédents albums se campaient dans la réalité de personnages qu’il construisait pour se distancier. Wolf mettait en scène une opposition avec un personnage pervers et malin, alors que Cherry Bomb était tombé dans un mélange de rap bruyant et d’apparitions de gros noms de la scène américaine.

Cependant, Scum Fuck Flower Boy fait ce que Tyler évitait depuis quelques années : plonger dans ses propres problèmes. Oui, son côté moqueur est toujours un peu présent, mais on sent que le jeune homme avait quelque chose à dire et qu’il voulait être entendu cette fois-ci. Il aborde sur SFFB des questions naturelles chez un jeune adulte : l’amour, le sentiment d’isolement, l’ennuie et les chars de luxes… après tout Tyler, The Creator a quand même un goût développé pour la chose. Et avec l’argent qu’il fait à l’âge qu’il a, il peut se permettre des joujoux un petit peu plus dispendieux que le commun des mortels.

«Shout out to the girls that I lead on
For occasional head and always keeping my bed warm
And trying their hardest to keep my head on straight
And keeping me up enough ’til I had thought I was airborne
How many raps can I write ’til I get me a chain?
How many chains can I wear ’til I’m considered a slave?
How many slaves can it be ’til Nat Turner arise?
How many riots can it be ’til them Black lives matter?
Niggas click clack splatter, pew, pew that nigga
Life a game of basketball, you better shoot that nigga »
– Foreward

Déjà sur Foreward qui ouvre SFFB, on se rend compte que Tyler, The Creator n’est pas là que pour avoir du plaisir. Il semble en avoir lourd sur le cœur et ne se défilera pas comme à son habitude. 911 /Mr. Lonely est un autre bel exemple sur lequel il se fait lover au maximum. On y retrouve aussi son meilleur ami Frank Ocean qui participe à deux pièces sur le nouvel album. Les deux hommes ont toujours eu une belle affinité dans la création et ça se poursuit ici. On retrouve Ocean aussi sur Where This Flower Blooms qui est une excellente pièce qui flirte avec le R&B d’avant-garde. Ça fonctionne et c’est une parfaite chanson d’été pour ta prochaine terrasse entre amis.

Un autre ami de Tyler Okonma vient faire un tour sur SFFB. A$AP Rocky participe à la puissante et aggressive Who Dat Boy? Les chansons un peu plus « dans ta face » de Tyler, The Creator sont particulièrement réussies. La mélodieuse et intoxicante I Ain’t Got Time! est aussi parfaitement réussie. Pour la petite histoire, Tyler l’aurait enregistré dans le studio de Kanye West entre deux enregistrements pour le magnat du rap. Suite à une petite improvisation, il s’est retrouvé avec une trame solide qui mélange les sonorités bizarres, les claquements de main et un refrain parfaitement accrocheur.

C’est un album résolument réussi pour Tyler, The Creator qui pond ici sans doute son album le plus achevé en carrière. Oui, Goblin et Wolf sont excellents, mais ici, il se surpasse. Une autre sortie hip-hop de qualité qui s’ajoute à celles déjà parues depuis le début de l’année. Les amoureux de rythmes et rimes sont gâtés en 2017!

Ma note: 8,5/10

Tyler The Creator
Scum Fuck Flower Boy
Odd Future / Columbia
47 minutes

http://www.oddfuture.com/

Critique : Lomepal – Flip

Le rap francophone de nos voisins d’outre-mer a connu une nouvelle floraison appréciable en 2017; Roméo Elvis & Le Motel, Damso et mon dernier coup de cœur, le projet flambant neuf du Parisien Lomepal, Flip.

Il titille les fans depuis avril dernier avec la sortie du clip Pommade, une réalisation haute en couleur. Elle n’aura fait qu’attiser l’envie des fans. Puis Ray Liotta, Yeux disent et Palpal, encore une fois des clips à la réalisation minutieuse qui ont tôt fait de mettre en images l’atmosphère tantôt glauque, tantôt explosive de l’artiste qui reste toutefois toujours dans un univers introspectif.

Son premier album est paru le 30 juin dernier, un peu plus d’un an après la sortie de son dernier court EP, ODSL, produit en collaboration exclusive avec le compositeur Stwo.

Lomepal s’est fait connaître par sa collaboration avec Nekfeu en 2011 pour ensuite évoluer en solo. Il s’est aussi joint à Caballero et DJ Lo sur leur projet Le Singe fume sa cigarette. Son style caractéristique lui a toujours donné une aisance à se faire reconnaître que ce soit par sa voix ou par sa poésie. Il a cette manière d’agencer les rimes et les phrases d’une manière quasi mathématique.

La touche « old school » présente dans certains morceaux de ses projets précédents a totalement disparu pour faire place à des basses plus puissantes ou des morceaux plus minimalistes en termes de couches instrumentales. Des morceaux comme Pommade ou Billets, qui déplacent de l’air et jouent sur une instrumentale trap déjantée, mais peu traditionnelle, témoignent de l’évolution intéressante et constante du rappeur. Il ne semble pas s’adapter aux tendances, mais plutôt faire grandir son style et explorer différentes palettes musicales qui lui siéent néanmoins à merveille.

Des morceaux comme Yeux Disent, Lost ou Bécane montrent bien cette capacité à raconter des histoires à la fois poétiques, mais aussi claires et imagées. On n’a pas l’impression que les mots sont lancés à la va-vite dans le but unique de rimer, mais bien de poser sur la table un ensemble de métaphores qui créent un enchevêtrement d’émotions et d’ambiances multiples. Le chant a d’ailleurs été très bien intégré aux morceaux. Les refrains chantés de Danse ou des morceaux comme Sur le sol témoignent de cette aisance vocale qui donnent une grande originalité à l’album dans son ensemble.

Les collaborations étaient d’une part prévisible, d’une part espérée. Roméo Elvis, auteur de l’album Morale 2 sur lequel figure Lomepal dans Thalys, et Caballero, éternel acolyte et seconde partie d’un duo gagnant. Sur Danse s’est toutefois pointé Lost, duo formé par la chanteuse Camelia Jordana et le compositeur Laurent Bardane. La voix sulfureuse mêlée à la production calme et planante forme un agencement des plus doux.

Lomepal déçoit rarement, mais titille avec brio. Après les clips qu’il a proposés, les fans étaient tous convaincus de la qualité de l’album à venir. Je doute que beaucoup soient déçus.

« Ils disent que c’est drôle comme un toboggan au paradis,
mais un toboggan au paradis, c’est la descente aux enfers»
-Avion

Ma note: 8,5/10

Lomepal
Flip
Indépendant
64 minutes

http://lomepal.bigcartel.com/

Critique : Jay-Z – 4 : 44

Avant même de placer la cassette dans le tape deck, on se pose des questions d’une importance certaine : doit-on écouter ce 4 : 44, treizième opus de Jay-Z (que vous pouvez également écrire tout en majuscule, ou encore sans trait d’union, selon votre humeur) en gardant en tête l’album de Beyoncé, Lemonade, sorti il y a un an? Le petit dernier de l’ex-roi du rap est-il une excroissance du brûlot américano-perso-Black Live Matter conçu par sa douce moitié?

Écoutons…

Ouverture avec Kill Jay-Z, une lyrique satirique sur les faux pas de mister Shawn Carter.

« You walkin’ around like you invincible
You dropped outta school, you lost your principles
I know people backstab you, I felt bad too
But this ‘fuck everybody’ attitude ain’t natural
But you ain’t a saint, this ain’t kumbaya »
– Kill Jay-Z

L’artiste se met en scène en guise d’apéro. Ce discours personnel laissera heureusement la place à une parole plus criante, plus pertinente – et plus intéressante pour l’auditeur – dès la deuxième pièce, The Story of O.J.

«Skin is, skin, is
Skin black, my skin is black
My, black, my skin is yellow (…)
Light nigga, dark nigga, faux nigga, real nigga
Rich nigga, poor nigga, house nigga, field nigga
Still nigga, still nigga »
– The Story of O.J.

De sa tour d’ivoire, l’artiste multimilliardaire balance ainsi une dizaine de traques, tantôt personnelles, tantôt les reflets des travers sociétaires vécus par ses semblables.

L’offre – courte, 37 minutes – est déversée sur des trames simples signées No I.D., ce faiseur de rythmes originaire de Chicago, qui réalise ici un disque d’une grande cohérence, sans artifice et, il est vrai, un peu trop conservateur à notre humble goût.

Parlons justement du grand travail de découpe fait par le compositeur. Les simples utilisés (Nina Simone, Stevie Wonder, Jacob Miller, The Fugees, Donny Hathaway…) ne sont pas seulement collés en arrière-plan. Ils sont remâchés, retravaillés, reformulés. Les artistes du passé semblent reprendre le micro le temps d’un tour de chant aux côtés de Jay-Z. Osons écrire que ces ajouts musicaux sont drôlement plus intéressants que ceux offerts par les « vrais » collaborateurs présents, soit Damian Marley, Hannah Williams, Frank Ocean et une Gloria Carter, maman du rappeur, que l’on apprend ici être gaie (intéressant seulement pour l’amateur de potins).

Mais laissons de côté le travail de réalisation de No I.D. et revenons à l’homme du jour.
Jay-Z profite donc du micro pour s’excuser aux femmes de sa vie sur son nouveau disque; d’abord à sa femme – pour son adultère –, puis à sa fille – pour ne pas être un papa parfait. Oui, même bourré de fric, Jay-Z a encore des démons à combattre.

Mais…

Mais cette psycho-introspection chantée sur album sonne malheureusement faux, à quelques reprises. On se pose des questions… Jay-Z l’homme, le mari et père de famille, est-il réellement repentant? Offre-t-il des excuses sincères? Et pourquoi le faire sur disque? Est-ce seulement une réponse tardive à sa femme qui, l’an dernier, sur Lemonade, se plaignait d’être victime d’infidélité de la part de son mari? Écrit-il pour s’expliquer avec elle ou pour s’excuser auprès de nous tous, auditeurs et fans de l’artiste?

On ressort donc de ce 4 : 44 avec autant de questions – quoique différentes – qu’avant d’y être entrée. Mais au final, sans crier au génie créatif du passé, Jay-Z pond ici un disque cohérent, intime et à la réalisation soignée. On se questionne « seulement » sur la sincérité du discours entendu.

Ma note: 8/10

Jay-Z
4 : 44
ROC NATION/UMG RECORDINGS INC
37 minutes

http://lifeandtimes.com

Critique : Vince Staples – The Big Fish Theory

« Spend a lot of money on the CDG
Ain’t I lookin’ lovely on the TV screen?
Battle with the white man day by day
Feds takin’ pictures doin’ play by play
They don’t ever want to see the black man eat
Nails in the black man’s hands and feet
Put him on a cross so we put him on a chain
Lying to me, sayin’ he don’t look like me
Rollcage on the GT3
How a show on stage like a DVD?
Put me in the MoMA when it’s over with
I used to look up to the sky, now I’m over shit »
– Crabs In a Bucket

Vince Staples lance son deuxième album intitulé The Big Fish Theory. Le précédent, Summertime ’06, avait fait belle figure et s’était retrouvé dans plusieurs tops de fin d’année en 2015. Depuis, Staples n’a pas chômé en lançant un EP conceptuel titré Prima Donna. Le Californien revient encore une fois en force avec The Big Fish Theory.

Le sens derrière le titre de l’album est d’ailleurs assez clair. La théorie réfère au fait qu’un poisson grandit en accord avec la grandeur de son environnement. Si vous placez un poisson au potentiel immense dans un minuscule aquarium, il restera petit. Staples s’en sert pour faire une allégorie de la place des noirs dans la société américaine. On pourrait étendre cette problématique aux gens de différentes origines ethniques aux États-Unis.

C’est aussi un album qui montre différentes facettes de Staples. Parfois, il se fait presque frivole avec la mélodieuse et intoxicante Big Fish. Il y parle de son rythme de vie qui a radicalement changé dans les dernières années. Le tout appuyé par Juicy J qui offre un refrain efficace à tous les points de vue. Staples a toujours été doué pour offrir un hip-hop avec des airs qui languissent dans les neurones. Le genre de refrains qu’on se surprend à fredonner en passant de la chambre au salon. BagBak est ce genre de chansons. Contrairement à la précédente malgré son efficacité mélodique, elle adopte un discours beaucoup plus politisé.

D’ailleurs le côté politique ne s’arrête pas là. C’est un peu partout sur The Big Fish Theory. Puis, dans Yeah Right, Kendrick Lamar vient faire son tour. On se retrouve devant un discours sur l’appât du gain pour l’appât du gain que dénonce Staples. C’est la différence entre réussir pour sa communauté ou pour sa personne.

Staples fait appel à de nombreux collaborateurs, dont la chanteuse Kilo Kish qui pose sa voix sensuelle dans plusieurs pièces. À chaque occasion, c’est aussi pertinent que réussi. Plusieurs compositeurs doués font aussi sentir leur présence. À commencer par Justin Vernon qui signe la trame d’ouverture, Crabs In a Bucket. Flume est aussi présent sur Yeah Right. Pour le reste, Sekoff et Sophie sont les deux producteurs à mettre le plus la main à la pâte.

The Big Fish Theory est un album totalement réussi pour Vince Staples qui continue de progresser et d’offrir des albums aussi mélodieux que pertinents. Voici un autre album de hip-hop qui risque fortement de se retrouver très haut dans les tops de fin d’année.

Ma note: 8,5/10

Vince Staples
The Big Fish Theory
Def Jam
36 minutes

http://vincestaples.com/

Critique : K. Flay – Every Where Is Some Where

La rappeuse états-unienne Kristine Meredith Flaherty, alias K.Flay, compose du hip-hop depuis bientôt quinze ans en proposant des textes plus près du féminisme que de la chosification. Elle possède une voix assez chaude pour faire du jazz et des intonations raps qui met en évidence le défilement des syllabes. K.Flay a sorti plusieurs rubans mixés (mixtapes), EPs et simples depuis 2003 ainsi qu’un premier album intitulé Life as a Dog (2014). On y retrouvait évidemment du hip-hop, mais également une palette d’éléments électros et pop rock inspirés de la scène indépendante. Every Where is Some Where (2017), publié en avril dernier, fait suite à tout ça avec un savoir-faire évident et une expérience de composition qui rend celui-ci solide et équilibré.

Dreamers prend la forme d’une balade hip-hop, suspendue au duo kick/snare et à la voix particulièrement douce de Flaherty, qualité qui contraste avec le texte et certains passages denses mettant en valeur sa performance vocale. Giver augmente à peine le tempo et l’alourdit avec les clappements de mains et le kick; la voix toujours aussi délicate nous amène naturellement vers le refrain rock alternatif 90 s, en avant de tous les instruments bien saturés. Blood In The Cut accélère encore une fois le tempo avec la basse jouée à l’octave, Flaherty complète la rythmique superbement bien et le riff du refrain vient ensuite mettre le feu à la pièce, tout en faisant étonnement penser à My Sharona (The Knack, 1979), mais avec un groove plus sexy. Champagne revient au hip-hop et à un domino de syllabes enchaînées, ponctuée par des contretemps de clappements de mains et des échantillons de cuivres.

High Enough retourne au rock alternatif, voix angélique au-dessus d’une ligne de basse saturée, avec un refrain de chanson d’amour pour cœurs cicatrisés. La basse synthétique de Black Wave fait vibrer la pièce comme du techno, mais la forme reste autour du hip-hop 90 s, salie par les effets et la distorsion. Mean It marque une pause; chanson à texte, histoire de famille, avec une basse et une guitare post-rock qui rappelle The Cure. Hollywood Forever continue de façon acoustique jusqu’à ce que la batterie et les claviers élèvent l’intensité à un niveau d’hymne rock.

La basse en glissando ouvre The President Has A Sex Tape avec un rythme terriblement efficace sur lequel Flaherty chant/chuchote un texte bien écrit; dont l’excellente « Look at who’s having the fun, easy to smile when you’re pointing the gun » offerte sur un ton condescendant. It’s Just A Lot prend la forme post-rock et l’enveloppe dans une atmosphère nostalgique tout à fait 80s, la batterie fixe le rythme au plancher de danse pendant que la machine à fumée ennuage tout le monde. You Felt Right revient à la poésie hip-hop, bien plus lente et intime, avec un refrain monté un peu comme la première piste. Slow March conclut sur une basse synthétique et une structure pop rock très radiophonique, que l’on imagine réverbérée dans un stade.

L’histoire continue avec Every Where is Some Where, faisant suite à Life as a Dog avec le même niveau de qualité dans les textes et la mise en rythme des syllabes. La composition élargit quelque peu l’éventail d’inspirations musicales, mais c’est surtout la production qui se démarque du premier opus. Il y a une clarté dans le mixage qui accentue les changements entre les couplets, refrains et ponts; un souci du détail à la hauteur de l’univers créatif de K.Flay.

MA NOTE: 7,5/10

K.Flay
Every Where is Some Where
Interscope
40 minutes

http://www.kflay.com