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Critique : Photay – Onism

En 2014, un jeune producteur lançait un EP homonyme très réussi qui s’était hissé à la première position de mon top EP de l’année. Mais voilà que son premier album se faisait attendre. Voici qu’Evan Shornstein lance enfin sa première galette sous son pseudonyme de Photay. Le jeune homme habite maintenant Brooklyn et a maturé beaucoup depuis le premier maxi.

Onism est un mot inventé par John Kœnig et qui exprime la frustration d’être pris à l’intérieur d’un corps qui doit être à une place à la fois. N’avez-vous jamais rêvé que vous puissiez vous multiplier et qu’un de vos corps soit sur un autre continent? Moi, oui. Mais ce n’est pas ça le point. Photay exprime son intention derrière l’album. À la manière des documentaires des années 70 sur les espèces menacées qui mettaient de l’avant une musique jouée aux claviers comme trame, Photay veut utiliser sa musique pour marquer cette ère de changements climatiques. Les claviers deviennent des instruments de sensibilisation sur ceux-ci, sur notre place dans le monde, sur l’emprise des médias sociaux sur nos communications. Mais revenons à la musique.

Onism poursuit dans la même veine que le premier EP, mais avec beaucoup plus de moyens et d’ambitions. Shornstein a maturé musicalement et ça se reflète de magnifique manière dans sa musique. Inharmonious Slog reprend ce procédé très présent sur son album précédent. Il mélange les sons organiques, tels que le claquement de souliers à talons hauts et des parasites sonores. Il construit ensuite tranquillement sa trame avec un drum machine et un clavier aussi mélodieux qu’efficace. Il nous envahit avec sa chanson petit à petit et finit par prendre toute la place avec une énergie débordante. Screens, qui ouvre Onism, utilise plutôt des sonorités proches des cuivres synthétiques, des claquements de mains et quelques bruits organiques pour lancer le bal de manière très efficace.

Ce n’est pas toujours très rythmé chez Photay. Parfois, c’est méditatif comme l’aérienne et étrange Storm qui comme des éclairs va et vient. Elle gagne en ampleur, comme la tempête qui se charge elle-même avant de se déverser sur les passants. Photay explore aussi des contrées intéressantes avec Bombogenesis qui fait place à des sonorités d’instruments à cordes. La mélodie est épique, grande et belle. Evan Shornstein chante même sur Aura et se débrouille bien derrière le micro. On ne le sent pas totalement à l’aise, mais ça fonctionne. Il est rejoint par Elisa Coia sur celle-ci alors que Madison McFerrin chante à son tour sur Outré Lux d’une voix douce et velouté.

Onism est totalement réussi pour Photay qui allie les sons organiques aux synthétiques d’une main de maître. Ce jeune producteur talentueux est désormais un acteur important à surveiller sur la scène électronique. Je parie que vous entendrez beaucoup parler de lui dans les prochains mois.

Ma note: 8,5/10

Photay
Onism
Astro Nautico
48 minutes

https://photay.bandcamp.com/

Critique : Oneohtrix Point Never – Good Time OST

Oneohtrix Point Never est le projet solo du compositeur/producteur états-unien Daniel Lopatin, présent sur la scène électronique expérimentale depuis 2007. Il compte sept albums, une douzaine d’EPs et plusieurs collaborations en studio à son actif. C’est à partir de Garden of Delete (2015) et le simple Animals (dont la vidéo révélait un Val Kilmer somnolant dans un ensemble Nike rouge) qu’OPN est apparu sur ma liste d’écoute. À peu près en même temps que R Plus Seven (2013). Les deux albums étaient clairement plus raffinés dans la façon d’éditer et de monter les échantillons, ce qui donnait plus d’espace aux sons de claviers et aux lignes mélodiques. La trame sonore Good Time, du film du même nom, a gagné le prix de la meilleure musique originale en mai dernier au Cannes Soundtrack Award, un événement en parallèle au Festival de Cannes. À mon grand étonnement, Lopatin s’est éloigné davantage de ses débuts expérimentaux et de ses deux derniers albums pour aller vers le rock progressif et l’italodisco. Le résultat est beaucoup plus fluorescent que ses prédécesseurs, mais ça reste bien fait et très bien produit néanmoins.

La pièce-titre s’ouvre sur un bourdonnement sourd suivi par une trame ambiante new age bien réverbérée. Les arpèges aux synthétiseurs servent de base rythmique et mélodique à un solo au clavier, mélangeant avec facilité des teintes de thriller 80s et de prog rock 70s. Les échantillons de voix de Bail Bonds nous enferment dans une pièce à proximité d’une discussion tendue, qui se métamorphose en espèce de session de jam rock de garage. Les impacts réverbérés joués comme des percussions japonaises apportent de la profondeur à 6th Floor. Les itérations électroniques viennent dialoguer celle-ci jusqu’à ce qu’un échantillon conclue sur « you scared the shit out of me man ». Hospital Escape/Access-A-Ride reprend les percussions réverbérées de façon tribale, et roule sur un arpège en boucle décuplé sur plusieurs lignes de clavier.

Ray Wakes Up commence sur un extrait du film modifié par des effets et des filtres, l’impression est cauchemardesque, comme un mauvais trip de drogue. Les accords étouffés au clavier et la guitare électrique réverbérée viennent alourdir le thème. La sirène de voiture de police sert d’introduction à Entry To White Castle, qui se développe sur un nouvel arpège accompagné par un solo au clavier pimpé par des légatos gracieux. Le son de synthèse soustractive de Flashback met en valeur une palette particulièrement analogique avec une machine à rythme électro-pop; c’est très cute. Le deuxième interlude Adventurers semble passer comme un vent transportant les retailles d’échantillons et d’effets de réverbération.

La flûte synthétique de Romance Apocalypse apporte une teinte de film d’action 80s, genre Beverly Hills Cop, le contraste avec le thème global n’est pas concluant, bien que l’idée soit cool. The Acid Hits se déploie comme une vague qui envahit la plage sonore. La masse électronique s’épaissit pour former une boucle acid house saturée par les effets et filtrée pour laisser un peu de place à des échantillons du film. Leaving The Park repose sur un arpège en boucle, dont les notes rebondissent en écho, avec un nouveau solo au synthétiseur à l’inspiration hard rock. Connie prend également forme autour d’une boucle qui s’épaissit en plusieurs strates et s’intensifie jusqu’à ce qu’il n’y ait plus d’espace et que la masse finisse par se dissiper pour laisser la place à un segment harmonieux. The Pure and the Damned termine au piano et à la voix avec l’inimitable Iggy Pop et met en place une atmosphère de vie égratignée par les mauvais hasards, une finale touchante.

Je m’attendais à dire aux amateurs d’Amon Tobin et Boards of Canada d’écouter le nouvel album d’OPN, mais non, c’est plutôt à ceux de John Carpenter et Jean-Michel Jarre que cette trame sonore s’adresse. La sonorité rétro est adorable et très réussie en soi, mais devient un peu redondante sans toutes les manipulations d’échantillons auxquelles Lopatin nous a habitués dans le passé. Heureusement, le contexte de la trame sonore sous-entend qu’elle prend tout son sens lorsqu’écoutée en même temps que le film, qui sort en salle ce vendredi 11 août.

MA NOTE: 7/10

Oneohtrix Point Never
Good Time OST
Warp
46 minutes

http://pointnever.com

Critique : Aliocha – Eleven Songs

Aliocha Schneider est à la fois un chanteur et comédien ayant joué dans des séries québécoises, dont Tactik et Les Jeunes Loups. La musique fait partie de ses passions depuis très longtemps. C’est en rencontrant Jean Leloup en 2012 que les choses vont changer. Audiogram le signe et après un EP paru en 2016, voici qu’il envoie son premier album intitulé Eleven Songs.

On remarque chez Aliocha rapidement un gros penchant pour la musique d’Elliott Smith. En fait, Eleven Songs est un peu un mélange de ça et de Don McLean qui chante le classique American Pie. C’est d’un côté un folk relativement mélancolique qui incorpore un peu d’éléments rock, mais d’un autre ce sont aussi des chansons aux constructions pop, accessibles qui ne quittent jamais les sentiers battus.

As Good As You donne une bonne idée de ce qui nous attend sur Eleven Songs. Aliocha sait fabriquer des mélodies efficaces qui flattent les oreilles. C’est enregistré avec beaucoup de soins et les arrangements sont très efficaces. La petite touche de claviers vintage habille les compositions à merveille, parfois un peu plus blues, The Start et Jamie comme preuve à l’appui. Sa voix s’y marie à merveille. Pour un si jeune homme, Aliocha possède l’âme profonde et ça transparaît dans son interprétation qui est toujours très juste.

Là où Eleven Songs laisse un peu sur sa faim, c’est sur le peu de risque des compositions. Tout est très formaté pour rentrer dans des standards bien établis. C’est bien fait certes, mais sans prise de risque, son folk reste un peu trop lisse. L’autre point où ça achoppe pour Aliocha, c’est dans l’immense place que prend Elliott Smith dans ses influences. On sent qu’il a de la difficulté à se détacher complètement des artistes qui l’ont marqué. Sarah est un bon exemple de ces sonorités reconnaissables.

Malgré ces quelques petits écueils, Eleven Songs est un album qui coule naturellement et qui s’écoute bien. Ses mélodies sont convaincantes et la qualité des pièces est non négligeable. Pour un premier album, Aliocha démontre beaucoup de maturité.

Ma note: 6,5/10

Aliocha
Eleven Songs
Audiogram
34 minutes

https://www.audiogram.com/fr/artiste/aliocha

Critique : Dasher – Sodium

Dasher est l’un des rares groupes qui sont menés par un batteur. Dans le cas qui nous concerne, il s’agit de Kylee Kimbrough qui est capable de manier les baguettes en même temps que ses cordes vocales. Celui-ci a quitté Atlanta pour la ville de Bloomington en Indiana. C’est là qu’il a recruté Gary Marra à la basse et Derek McCain à la guitare. Le trio se spécialise dans un rock garage qui emprunte beaucoup au punk. Ça fait légèrement penser à DFA 1979 et Thee Oh Sees dans leurs moments les plus violents.

Sodium est un premier album réussi qui rentre au poste pour le groupe. Kylee Kimbrough gueule d’un bout à l’autre tout en tapochant sans vergogne sur ses tambours. Le résultat est bruyant, mais n’écarte pas non plus tout sens de la mélodie. Un peu comme DFA 1979, c’est une égale partie de mélodie et de bruits. Par contre, Dasher est beaucoup plus bruyant dans le sens de noisy. Et le style de basse de Jessy F. Keeler est tout simplement inimitable.

Le premier simple paru est représentatif de ce qu’offre le groupe. We Know So est un feu roulant qui compte autant sur une batterie violente qu’une guitare bruyante. Le refrain, malgré sa brutalité, conserve un côté mélodieux et risque même de rester en tête après l’écoute. C’est un peu la même chose qui se passe avec Go Rambo, une chanson construite sur un modèle plus près du punk, avec ses 2 minutes 20.

Ce n’est pas tout le temps hyper rapide comme le démontre la lourde Teeth, mais pour pallier à ce ralentissement dans le rythme, le groupe s’arrange pour faire plus de bruit. La voix de Kimbrough est perdue dans la distorsion alors que l’excellent riff de guitare de Derek McCain fait la job. No Guilt est une composition qui se démarque par son côté un peu plus rock’n’roll, mais dissonant à souhait.

C’est un très bon premier album que nous propose le trio Dasher avec Sodium. Un peu comme le sel en lui-même, ce record risque de vous faire faire de l’hypertension si vous êtes généralement fan de Natasha St-Pier. Par contre, si les guitares bruyantes ne vous effraient point, que les chanteurs qui crient leurs tripes vous excitent et que le garage-punk vous ravit, vous aurez beaucoup de plaisir en compagnie de Dasher.

Ma note: 7,5/10

Dasher
Sodium
Jagjaguwar
33 minutes

https://dasher.bandcamp.com/

Critique : Camille – Ouï

Je me rappelle du spectacle de Camille au Spectrum en 2005 comme si c’était hier. Écouter l’album Le fil (2005) était une expérience en soi, et le voir prendre forme sur scène relevait de la performance magistrale inoubliable. Trois ans après Le sac des filles (2002), Camille montait donc sur la scène internationale avec un deuxième album pop avant-gardiste, monté à partir d’une note continue qui liait toutes les pièces en guirlande. Les textes étaient chantés à proximité, comme pour créer une intimité à travers les chuchotements, cris, onomatopées et souffles. Music Hole (2008) conservait l’avant-gardisme en le dissimulant derrière les rideaux d’une scène de cabaret français, en accentuant les rythmes et en augmentant la proportion des textes en anglais pour faire un lien avec le music-hall. Ilo Veyou (2011) était plus délicat et intimiste, avec la voix accompagnée parfois par une guitare acoustique ou un quatuor à cordes, et une attention particulière pour l’espace. Son cinquième album publié en juin dernier, Ouï, offre le même niveau d’attention et mélange davantage les idées qui ont teinté chacun de ses prédécesseurs, avec une nouvelle palette électronique très appréciée.

Les percussions ouvrent Sous le sable tout doucement, Camille chuchote en faisant des allitérations sur un texte monté comme L’arbre est dans ses feuilles (1978). L’atmosphère est caverneuse avec des gouttes d’eau synthétiques, dont le scintillement réverbère, pendant que la strate ambiante électronique apporte une teinte trip-hop. Lasso renouvelle l’accentuation des sibilances de façon plus ponctuée. La strate électro conserve sa place à la base et crée un groove en gonflant quelques contretemps au passage. Fontaine de lait change légèrement le ton pour une forme plus folk, avec une petite chorale à l’arrière et une mélodie à la sonorité analogique décorée de percussions. La caisse claire un peu militaire de Seeds combinée au texte en anglais donne un petit air léger dont la sensibilité fait penser à Feist.

Les loups étonne avec son rythme d’inspiration jamaïcaine/médiévale mélangé à un chant de feu de camp et une délicieuse ligne de basse analogique qui donne une sorte de comptine autochtone électro. La combinaison est tellement concluante qu’on en redemande après deux courtes minutes. Je ne mâche pas mes mots change complètement de lieu, passant de la clairière à la chapelle où Camille fait sa confession accompagnée de la chorale. Twix remet le rythme à l’avant, autant aux percussions qu’aux voix, avec une forme musicale qui va du médiéval au cabaret électro… incroyable. Nuit debout adoucit le tempo en ouvrant sur une chorale bien réverbérée qui laisse ensuite la place à une balade nocturne à la voix chuchotée à moitié.

Piscine reprend du tempo et apporte une touche dramatique dans la ligne musicale et la lourdeur des temps forts. Fille à papa donne suite exactement dans le même ordre d’idée en conservant les voix et percussions à proximité des oreilles, mais sur un ton plus léger. Langue conclue en beauté dans une atmosphère de rêve d’enfant, en utilisant le titre de la pièce comme instrument dans la ligne mélodique.

La plus grande qualité de Ouï est son côté jeu d’enfant. Tout semble si simple et naturel qu’on finit par être d’accord avec la théorie selon laquelle Camille peut tout faire, et fait donc ce qu’elle veut. Cette fois-ci, il y a plus d’espace et de distance au niveau des voix, spécialement lorsqu’elles sont rassemblées en chorale dans une chapelle. Les oscillations du Minimoog dissimulées dans le fond et les lignes de basses bien grasses apportent une sonorité analogique qui tombe pile avec les percussions. Même contentement avec les textes et des phrases adorables comme « s’il m’arrive d’être foudroyé par l’éclair au chocolat ». À savourer.

MA NOTE : 8,5/10

Camille
Ouï
Balulalo
32 minutes

http://www.camilleofficiel.fr