Classique Archives - Le Canal Auditif

Radiohead : OK Computer

Aucun album n’a eu autant d’impact ces deux dernières décennies qu’OK Computer qui souffle ce mois-ci ses 20 bougies d’anniversaire. Un album incroyablement émotif sur fond d’aliénation matérielle et de paranoïa, néanmoins c’est un incontestable chef d’œuvre.

Pourquoi? Parce qu’avec son troisième album, Radiohead a fait entrer le rock dans un nouvel âge. Pensez-y. Le rock aux États-Unis est en lendemain de veille depuis la mort de Kurt Cobain et l’industrie fait signer de lucratifs contrats à des groupes sans grande substance qui passent comme les saisons : Dishwalla, Fun Lovin’ Criminals, New Radicals, Counting Crows, Spacehog.

En Angleterre, la guerre de la britpop est terminée. Oasis s’effondre avec Be Here Now, Blur devient un groupe américain avec Woo-hoo (voyons, c’est quoi le nom de la toune 2 sur Big Shiny Tunes?). Bitter Sweet Symphony des Verve scellera le cercueil pour de bon.

Avant Ok Computer, Radiohead est un groupe de grunge anglais. Un genre de Bush X mais triste, dont les membres n’ont pas de sexe. Ça donne au départ Creep et Pablo Honey puis, avec de la maturité et un peu de hargne, ça donne The Bends, cet album sur lequel Radiohead, par le sens mélodique de Thom Yorke et le chamanisme de Johnny Greenwood à la guitare, proposait déjà une réactualisation du rock alternatif : plus émotive section écorchée, plus noise et shoegazy et globalement, plus intelligente.

Arrivera ensuite OK Computer deux ans plus tard. La bande d’Oxford y fait un pas de géant dans son écriture, son travail des textures, des ambiances et de l’exploration. Ok Computer c’est la réflexion de Phil, Ed, Colin, Johnny et Thom sur ce que devrait être la musique du prochain millénaire. Ça l’air qu’ils ont visé juste hein?

Mais OK Computer est également un classique pour les thèmes qui y sont abordés. C’est vrai que les paroles de Thom Yorke sont cryptiques et témoignent au plus clair de son délire paranoïaque à l’aube de l’an 2000. Mais c’est vraiment la trame narrative de l’album qui s’articule en une dystopie d’un futur proche où les rapports humains sont instrumentalisés par des machines qui frappe par son actualité, même 20 ans plus tard.

Encore une fois, Thom était pas mal « sur la coche » même si personne n’a encore compris ce qu’il pouvait bien avoir avec les frigos en 96-97, le bon Thom.

OK Computer est paradoxal en ce sens où il embrasse l’apport de la technologie et des machines dans sa musique tandis que sa trame narrative s’articule plutôt en une opposition farouche envers ces « progrès ».

Et pour un album dont le message est contenu dans l’anti-chanson Fitter Happier, froide et déshumanisée, OK Computer est pourtant un des disques des plus à fleur de peau, humain, jamais composé (voir Let Down, Lucky et Climbing Up The Walls).

Donc si on ramasse tout ça, voilà un album qui arrive avec une proposition radicalement différente de ce qui se fait à son époque, produit par un groupe qui jouit déjà de l’étiquette de l’intelligence musicale. Ajoutez à ça un sous-texte dont la prophétie apocalyptique s’autoréalise, un sens de la mélodie hors du commun, des musiciens arrangeurs de talent (salut Ed O’Brien) et une postproduction signée par un jeune Nigel Godrich plus que capable et vous avez ce chef d’œuvre générationnel.

Cet album est un tournant majeur tant dans l’industrie que dans la vie de tant de mélomanes, avertis ou non.

Et si l’excellence d’OK Computer était le dernier consensus de l’histoire du rock, je vivrais bien avec ça.

Mais faut juste pas trop lire les paroles.

Radiohead
OK Computer
Parlophone
53 minutes

https://www.radiohead.com/

FIJM 2017: minimalisme(s) de Jean-Michel Blais et invité.e.s

 

Jeudi soir dernier, 18h00 sonnait sur ma montre.  Le temps dehors était maussade, gris et pluvieux. J’avais les émotions en tirebouchons et la tête ailleurs. Je commence à avoir un peu froid. Je décide d’avaler un thé… beaucoup trop chaud. Quelques enflures à la langue plus loin, me voilà sur le chemin du spectacle minimalisme(s) de Jean-Michel Blais à la Cinquième Place des Arts dans le cadre du Festival International de Jazz de Montréal. On me dit souvent qu’il est important de prendre son temps avant de faire quoi que se soit. Je l’avoue. Peu importe, même si j’ai la langue énorme comme un boulet de canon, j’ai profité de la performance du pianiste Jean-Michel Blais et de ses invités (Bufflo, CFCF et Foxtrott) à 100%. Comme quoi, ça valait le coup de me brûler les papilles gustatives au premier degré.

Valérie Gay-Bessette / Festival International de Jazz de Montréal

L’UNIVERS BLAIS

Le pianiste québécois se présente sur la scène vêtue de noir. Avec un piano de marque Baldwin, il enfile ses pièces petit à petit. Misant sur la notion du minimalisme et de la reprise, Blais a su livrer une prestation efficace en rendant hommage à des compositeurs de renom qui ont influencé sa démarche artistique : Philip Glass, John Cage et Arvo Pärt, entre autres. Tous ont été soulignés dans le spectacle selon différentes façons. Avec ses bidouilleurs électroniques qui étaient aux ordinateurs et aux chants (Bufflo, CFCF et Foxtrott), le Montréalais a présenté un univers planant, classique, électro/pop et hautement cinématographique. C’était donc possible de faire de la musique minimaliste avec uniquement un piano et un ordinateur. Rien de trop gros. C’était bien parfait comme ça pour ce genre de concert intimiste à la Cinquième salle de la Place-des-Arts.


 

LE PIANO, L’INSTRUMENT DE PRÉDILECTION

Blais s’approprie le piano. Il joue sur des touches noires et blanches. Oui, certes. Ceci étant dit, sur scène, l’artiste va au delà des capacités de base de l’instrument. Avec un couvercle ouvert, l’artiste le manipule avec les cordes et les petits marteaux qu’on peut retrouver à l’intérieur. Ce qui fait varier les différentes tonalités de son compagnon musical fétiche. Vous savez, c’est ça qui est magique avec la musique du compositeur québécois. En interprétant avec diverses intensités sonores, Jean-Michel Blais joue directement avec les différentes émotions du public. Il le berce tout en le faisant voyager. Le musicien arrive même à bloquer les pires noirceurs du cœur qu’une personne peut ressentir, comme ça, dans la salle, sans nécessairement savoir l’enjeu exact. Sous les éclairages tamisés, Blais le sait. D’une présence scénique tout à fait charmante, il capte son auditoire, interagit avec lui à coup de quelques blagues bien placées et le rallie du début jusqu’à la fin en l’invitant à vivre une expérience musicale enivrante et mélodieuse.

Valérie Gay-Bessette / Festival International de Jazz de Montréal

Après une courte performance, les éclairages se rallument. Je me lève de mon siège en regardant une dernière fois les saluts de Jean-Michel Blais et de sa bande. En direction de la sortie, mes lunettes sont pleine de buée. Ma vue est affectée. Je m’arrête. J’ai les joues humides. Je les essuie. J’ai les deux mains empreintes d’un liquide noirâtre et quasi-visqueux. Rassurez-vous. je ne me transformais pas en mutant ce soir-là.  Seulement, je me suis rendue compte que mon mascara n’était tout simplement pas à l’épreuve de l’eau.

http://www.montrealjazzfest.com/

Les Cowboys Fringants – Break Syndical

Été 2003, je termine mon secondaire. Mes occupations à ce moment-là sont plutôt simples : je travaille comme commis dans l’épicerie du coin, je rêve de devenir comédien, je ne me peux plus d’attendre l’automne qui veut dire début du Cégep St-Laurent et les soirées, je les passe avec ma gang d’amis dans le sous-sol de Simon. On fait nos expériences d’ados, les premiers pétards, on se trouve cool parce qu’on boit de la téquila (ouache) et on finit par passer la majorité de notre temps à écouter de la musique et des films. Bref, mes parents auraient trouvé que je ne faisais pas grand-chose de ma carcasse et pourtant… ces moments-là m’ont ouvert l’esprit et m’ont profondément marqué.

Il faut dire que pendant la fin de mon secondaire j’étais un métalleux, j’écoutais du Iron Maiden, je portais un coat de cuir (que je porte toujours d’ailleurs) et je ne voulais rien savoir de la guitare acoustique. Ça, c’est jusqu’à ce que je tombe sur En Berne. Il faut se replacer en contexte, j’ai 17 ans, je découvre le nationalisme et le contexte politique, mon identité d’adulte et je commence à me fâcher contre la société : trop de grandes entreprises qui se foutent de leurs employés, trop de pollution, trop de laxisme de la classe politique… vous me direz que ça n’a pas changé. Vous avez malheureusement trop raison. Mais, à ce moment-là, quand je tombe sur En Berne, j’ai l’impression que Jean-François Pauzé a écrit ça pour moi :

«C’est ça l’problème de ma patrie
Y’a pas personne pour s’indigner
Contre la fausse démocratie
Qui sert les riches et les banquiers
Dans cette contrée peuplée d’ignares
‘Faut pas trop s’rappeler d’son histoire
Ici y’a juste les plaques de char
Qu’y ont encore un ti-peu d’mémoire…»
– En Berne

Et c’est aussi comme ça que toute ma gang a découvert Les Cowboys Fringants. On est tombé dans la marmite tous en même temps, et Break Syndical a été notre porte d’entrée dans le monde à la fois engagé, ironique et mélodieux des Cowboys… pis tous les gars avaient un petit kick sur Marie-Annick, mais ça c’est un autre affaire et c’est pas mal moins important. Encore aujourd’hui, quand La Manifestation part, je me rappelle des moments passés dans la rue devant le cégep St-Laurent à dénoncer les compressions des prêts et bourses du gouvernement Charest. C’était l’époque juste avant Libérez-nous des Libéraux de Loco Locass. Nous étions jeunes, dynamiques, rebelles et on voyait bien que le gouvernement en place était en train de dilapider nos biens à la manière d’un syndic de faillite.

Pendant que j’écris ces lignes, Toune d’automne se met à jouer avec son air réconfortant. Il va sans dire que je connais encore les paroles par cœur. En tant que fan aillant beaucoup traîné dans les concerts du groupe je substitue : « Jure-moi donc que c’fois là tu restes à maison pour de bon » pour « Jure-moi donc qu’t’es pas devenue fédéraliste ma petite crisse ». Ça parle aussi de Simon, parallèle si facile à faire avec mon Simon chez qui on végétait le soir en se posant pas mal de questions sur la vie. J’ai toujours beaucoup aimé les chansons mélancoliques des Cowboys. L’Hiver Approche récit d’une personne cassée, m’a souvent résonné dans la tête pendant l’université quand j’avais de la misère à arriver et que le Kraft Dinner était la seule chose que je pouvais me payer pour souper. C’est aussi sur Break Syndical qu’on trouve la poignante Ruelle Laurier avec ses paroles crues qui expose un univers familial dysfonctionnel et violent. Une des rares chansons écrites par Karl Tremblay plutôt que Jean-François Pauzé. Encore aujourd’hui, ça me donne des petits frissons quand le violon de Lépine embarque et que le texte se fait particulièrement dur :

« Ma mère vivait ça tranquillement
En faisant semblant d’l’aimer
Angoisée tout en sachant
Qu’y allait r’venir pour son péché

Elle fermait les yeux doucement
Pendant qu’y a prenait par les cheveux
L’a faisait mettre à genoux devant l’divan
Assouvir ses instincts vicieux

Mercredi soir après le hockey
J’vas attendre mon père chez l’vieux Dugas
Quand y va prendre la ruelle Laurier
J’vas m’arranger pour qu’y en sorte pas…»
-Ruelle Laurier

Pratiquement toutes les chansons de Break Syndical sont devenues des classiques pour quiconque suit le groupe. De Joyeux Calvaire à l’humoristique Heavy Métal en passant par le premier chapitre de l’histoire de Jay-Pee Labrosse intitulé La noce. C’est l’album qui a permis au groupe de devenir un phénomène de société qui les a menés en France et qui a culminé le 30 décembre 2003 au Centre Bell. Un phénomène qui s’est construit par le bouche-à-oreille et par la ferveur de ses fans. Ce soir-là, on était là, toute la gang à danser dans les rouges avec des milliers d’autres jeunes adultes qui avaient envie que les choses changent. On était content d’entendre Dom Lebo nous conter des blagues entre, et souvent pendant, les chansons et voir Jérôme Dupras groover comme jamais à la basse. Dupras, c’est un maudit bon bassiste, on l’oublie souvent.

Aujourd’hui, on a la trentaine. J’espère qu’une partie de cette utopie-là vit toujours en nous; celle de vouloir faire de notre société un monde plus juste et équitable, plus vert et plus respectueux. Je dois aux Cowboys Fringants de m’avoir accompagné à travers la myriade de questions qu’on se pose au début de l’âge adulte. Quand on essaie de comprendre qui on est et comment on a l’intention d’aborder la société et le monde. Aujourd’hui, certaines chansons viennent encore me chercher, me mettre à fleur de peau, me chambouler et je connais encore chacune des paroles de chacune des chansons de Break Syndical. Merci gang. C’était un pas pire record que j’aime encore beaucoup.

Les Cowboys Fringants
Break Syndical
La Tribu
2002

http://www.cowboysfringants.com/

Elliott Smith – Either/Or

En 1997, Elliott Smith était déjà un auteur-compositeur-interprète bien établi sur la côte ouest-américaine. Malgré deux premiers albums bien reçus, Smith n’était pas encore connu ailleurs aux États-Unis. Son groupe rock, Heatmiser, très actif à Portland, OR (ground zero du hipsterisme, semble-t-il) n’a jamais vraiment percé. C’est ainsi que le multi-instrumentiste s’est dirigé tranquillement vers une carrière solo loin des pédales de distorsion du grunge. Après tout, le rock de guitare était largement donné pour mort dans ces années après la disparition de Kurt Cobain.

Dès 1994, Smith lance son premier album, Roman Candle. L’année suivante, le prolifique musicien (toujours membre de Heatmiser) fait paraître un album éponyme. Hors des contraintes d’un groupe rock, Smith enregistre des chansons très personnelles sur un bon vieux 4-track, seul avec une guitare acoustique. Bien que ce concept ne soit en aucun cas nouveau, les chansons de ces deux albums se démarquent par des thèmes très sombres (nous sommes encore un peu dans l’époque grunge, après tout) et des suites d’accords plutôt complexes, démontrant ainsi un véritable talent de compositeur.

Either/Or est donc le point tournant de la discographie de Smith. Même si la guitare acoustique domine, le multi-instrumentiste qu’était Elliott Smith incorpore désormais l’ensemble des instruments rock à ses arrangements. C’est le début de sa véritable carrière solo qui l’amènera autour du globe, en passant par les Oscars, jusqu’à une fin tragique, en 2003.

Speed Trials et Alameda ouvrent l’album sans trop surprendre l’auditeur avec des guitares acoustiques et de subtils arrangements de basse et de batterie. Mais c’est avec Ballad of Big Nothing qu’Elliott Smith ouvre la machine et indique à ses fans de la première heure qu’il renoue avec le rock. Plus loin dans la liste des chansons, Cupid’s Trick annonce la suite des choses, étant la seule pièce de l’album avec de la distorsion et une montée épique.

Malgré tout, l’artiste semble toujours avoir un pied dans l’univers folk et un autre dans le monde du rock. Des chansons comme Pictures of Me, No Name No.5, Rose Parade et 2:45am sont toutes bâties sous le modèle du on-commence-avec-une-guitare-acoustique-et-on-embarque-la-batterie-plus-loin. Comme si ces pièces représentaient l’insécurité de Smith à quitter pour de bon le confort d’un groupe rock et se concentrer à 100 % sur une carrière en solo.

De même, Punch and Judy est une excellente ballade acoustique avec un clavier subtil et une guitare électrique tout en douceur qui vient soutenir la suite d’accords. Pour un musicien qui avait enregistré ses deux premiers albums avec les moyens du bord, Smith démontre une plus grande maturité en studio et une certaine facilité pour les arrangements. La même chose pourrait être dite pour Say Yes, chanson qui met un terme à l’album, garnie de parfaites harmonies vocales.

Cela dit, Between the Bars reste le véritable chef-d’œuvre du disque. Une des meilleures chansons du répertoire de Smith, cette dernière, au texte ambigu, est tout simplement sublime. Les vers portent l’auditeur à se questionner s’il s’agit de l’histoire d’un « pub crawl », du début d’une relation malsaine ou de la dépendance de façon générale. En fait, c’est probablement un mélange de tout ça. Les abus de toutes sortes d’Elliott Smith sont bien documentés et ont fait l’objet de plusieurs autres de ses chansons par la suite. D’ailleurs, l’époque de Either/Or marque le début de la descente aux enfers pour Smith, selon ses amis et collaborateurs de l’époque.

Note aux milléniaux : Vous ne le savez peut-être pas, mais dans les années 90, les vedettes du rock ne carburaient pas au thé vert, yoga et diètes végétaliennes comme toutes ces têtes d’affiche osheagiennes qui font les manchettes de nos jours. Non, certains d’entre eux avaient de très mauvaises habitudes de vie et n’hésitaient à s’en inspirer. Pour le meilleur et souvent le pire. Elliott Smith en était un triste exemple.

Mais on s’éloigne un peu…

Finalement, impossible de passer sous silence une autre très grande chanson de l’album, Angeles. Avec son riff complexe, Smith démontre ici qu’il n’était pas seulement un artiste tourmenté qui alignait les accords sur une guitare acoustique, mais bien un musicien de grand talent.

La suite de l’œuvre sera tout aussi excellente. XO et Figure 8 seront de bons albums de guitares à une époque un peu difficile pour ce style de musique. Bien sûr, c’est une ballade acoustique, Miss Misery, qui le fera connaître du grand public.

Il importe aussi de souligner From a Basement on The Hill, album sorti après son (apparent) suicide qui comporte son lot de bonnes chansons, bien que non officiellement terminé. N’eût été son décès, l’artiste qui avait 34 ans au moment de sa mort aurait très certainement réussi à faire paraître d’autres bons albums.

Either/Or n’était que le début de son ascension, tant artistique que commerciale.

Elliott Smith
Either/Or
Kill Rock Stars
1997

Critique : Nine Inch Nails – The Fragile : Deviations 1

Septembre 1999. Après 5 ans d’attente, Trent Reznor lance le troisième album de son projet principal, Nine Inch Nails. C’est un album double étouffant et très peu accessible qui laisse les critiques de l’époque perplexes. Je me souviendrai toujours de la critique de Claude Rajotte qui l’avait descendu en flammes à l’époque, lui préférant de loin le travail de Marilyn Manson sur Mechanical Animals.

Le temps a passé et The Fragile est devenu un classique culte parmi les fans de NIN. Certains vont même jusqu’à le considérer comme étant supérieur à The Downward Spiral. Je ne vous cacherai pas que je suis le premier à faire partie de ceux-là. Pour moi, ce disque-fleuve est le seul album double de l’histoire du rock irréprochable. Enfin presque. J’ai toujours eu de la difficulté à aimer Starfuckers Inc., simple ajouté à la dernière minute sur l’album par peur de l’échec commercial qui détonne beaucoup trop avec l’ensemble. Pour faire court, j’ai passé les 17 dernières années à le faire tourner régulièrement. Je connais les moindres racoins de l’édifice et je pourrais réciter toutes les paroles de l’album sans même l’entendre.

Décembre 2016 : Reznor annonce la sortie d’un nouvel EP et la réédition intégrale de sa discographie en vinyle. La cerise sur le sundae : on sait désormais que la version retravaillée de The Fragile mentionnée maintes fois en entrevue s’intitule The Fragile : Deviations 1 et qu’elle sera remplie de titres inédits, en plus d’être totalement instrumentale et uniquement offert en album vinyle quadruple, pour un total de plus de 2 heures et demie.

Shut up and take my money.

Avec ce Deviations 1, on se retrouve devant une œuvre encore plus dense, éditée et modifiée par Reznor et Atticus Ross, partenaire créatif de longue date et nouveau membre en règle de NIN. Certaines modifications subtiles ont été ajoutées par-ci par-là à certaines pièces alors que d’autres sont des prises alternatives des versions originales. Le vrai fun ici, par contre, c’est de découvrir les 12 titres inédits qui ajoutent assez de valeur à l’œuvre originale pour que l’on considère cette nouvelle version au-delà d’une simple réédition. Le choix d’écarter complètement les voix de l’œuvre est également très intéressant et permet à l’auditeur de (re) découvrir toutes les subtilités du travail de Trent Reznor, Alan Moulder, Adrian Belew et les autres, même si l’on a parfois l’impression d’être dans un karaoké.

Pour le fan de longue date, Deviations 1 fera l’effet de lire le roman original, enfin, après avoir vu le film plus de 500 fois. Pour les autres, ce ne sera peut-être pas la porte d’entrée la plus facile pour s’initier à l’univers de NIN. Cela dit, pour les connaisseurs, c’est très difficile de ne pas se mettre à hurler «The clouds will part and the sky cracks open and god himself will reach his fucking arm through just to push you down, just to hold you down» pendant The Wretched. J’aurais vraiment aimé ne pas connaître l’original avant de faire l’écoute de cette version, ne serait-ce que pour découvrir les paroles après les avoir préalablement inventés dans ma tête, dans le char, de Montréal à Québec, pendant deux heures et demie, à répétition.

MA NOTE: 8,5/10

Nine Inch Nails
The Fragile: Deviations 1
Null Corporation
154 Minutes

www.nin.com